la fortaleza escondida

Cine - plano secuencia

2011-03-15T13:20:00.000+01:00

Vuelvo a la carga con el blog tras varios meses de inactividad, y con un tema que ha surgido de forma recurrente estos días en mi entorno; se trata de uno de mis recursos cinematográficos favoritos, el plano secuencia.

¿Qué es un plano secuencia? Básicamente es una secuencia rodada de una sola vez, sin cortes, en un sólo plano; rodar un plano secuencia efectivo es una tarea muy complicada, hay que ensayarlo minuciosamente para saber donde va a moverse la cámara y medir los tiempos de entrada y salida de los diferentes elementos escénicos y de los actores. El efecto de inmersión cinematográfica es dificilmente igualable, creando una tensión genuina en el espectador.

Uno de los maestros clásicos del plano secuencia fue Alfred Hitchcock, que empleaba tomas muy largas para mantener el suspense, a veces rodadas en varios planos pero con cortes invisibles, como por ejemplo esta secuencia de Frenesí (Frenzy, 1972) en la que la cámara abandona la escena sugiriendo un ominoso final para la mujer que entra dentro de la casa acompañada de un temible asesino.

La soga, (Rope, 1948) es la película más famosa de Hitchcock en emplear este recurso, está rodada casi en su integridad en larguísimos planos secuencia; para producirla, se crearon unos decorados especiales que permitían mover paredes y paneles para permitir el paso de la cámara.

Otro ejemplo de la maestría de Hitchcock en este tipo de tomas con cortes invisibles podemos verla en Atormentada (Under Capricorn, 1949)

Y en Encadenados (Notorious, 1946), en la que usó un largo plano para reirse de la censura impuesta por el código Hays, que impedía que los besos cinematográficos durasen más de unos pocos segundos; Hitchcock rodó a Ingrid Bergman y Cary Grant dándose besos de la duración "adecuada" uno detrás de otro en un plano de 3 minutos.

Los planos secuencia también eran habituales en el cine negro de bajo presupuesto de los años 40 y 50; la falta de medios era un acicate para rodar de forma rápida y efectiva, y a veces, como en este caso, servía para eludir la legalidad ante la ausencia de permisos de rodaje: podemos comprobar el nivel de sofisticación alcanzado por los maestros de la época en este mítico plano de El demonio de las armas de Joseph H. Lewis (Gun crazy, 1950)

Uno de los planos secuencia más espectaculares y aclamados de la historia del cine peretenece también a una película de cine negro, en este caso de alto presupuesto, orquestado por un director que dominaba la planificación en corto y que demostró ser también un maestro en esta otra labor; se trata del plano inicial de Sed de mal de Orson Welles (Touch of evil, 1958)

El plano secuenciaha seguido siendo usado por muchos otros directores, algunos a la manera de Hitchcock, como Brian de Palma, admirador y émulo confeso del maestro inglés; podemos admirar su pericia en esta secuencia de Carrie (1976) a partir del minuto 1:27:

Otros directores muy deudores del clasicismo narrativo han empleado esta técnica ha menudo, como Martin Scorsese en Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990), Robert Altman en El juego de Hollywood (The player, 1991) o Quentin Tarantino (Kill Bill Volume I, 2003):

El cine de acción oriental también se ha empapado de esta técnica, tanto en el cine de artes marciales y de consumo como Thai dragon de Prachya Pinkaew (Tom yum goong, 2005) como en el más especializado y alabado por la crítica como Breaking news de Johnnie To (Dai si gin, 2004):

En los últimos tiempos, la revolución de las tecnologías digitales ha permitido ampliar las posibilidades de los planos secuencia para disimular cortes y colocar la cámara en lugares imposibles, como podemos ver en estos tres espectaculares ejemplos de La guerra de los mundos de Steven Spielberg (War of the worlds, 2005), Hijos de los hombres de Alfonso Cuarón (Children of men, 2006) y El secreto de sus ojos de Juan José Campanella (2009):

Roy Ward Baker 1916-2010

2010-10-11T14:00:00.000+02:00

No doy a basto con las esquelas... :(

Esta vez le toca el turno a Roy Ward Baker, un veterano realizador que paseó su profesionalidad por numerosos géneros, casi siempre dentro de las películas de bajo presupuesto, y que, pese a ser considerado un simple artesano, deja tras de si una filmografía que muchos llamados autores envidiarían; su etapa más querida por muchos aficionados es la que pasó en los célebres estudios Hammer, especializados en cintas de horror gótico durante los 50, 60 y 70, aunque también dejó buenas muestras de su talento en otras productoras tanto en los EEUU como en su Inglaterra natal.

Baker era un cineasta que, pese a ser un "mandado", demostraba un más que notable conocimiento del medio; poseía una gran capacidad para crear escenas de tensión y suspense y atmósferas fantásticas y opresivas, gracias a un gran dominio del encuadre y la puesta en escena. No es extraño, entonces, que sus películas luzcan mucho más lujosas de lo que sus medios le permitían, y que incluso posean secuencias de gran creatividad visual.

Su filmografía es muy extensa y abarca cuatro décadas, así que comentaré tan solo 10 de las películas que he visto y que considero interesantes:

Niebla en el alma
(Don't Bother to Knock, 1952)

Un excelente thriller psicológico que supone uno de los primeros papeles protagonistas de Marilyn Monroe; en ella interpreta a una joven desequilibrada tras la muerte de su novio que se obsesiona con un joven piloto (Richard Widmark) que se hospeda en el mismo hotel en el que trabaja como canguro. Baker saca provecho de un guión interesante y unos buenos actores a los que suma una excelente atmósfera y un gran pulso narrativo.

Infierno
(Inferno, 1953)

Una de las mejores películas rodadas en 3D durante los primeros 50; en ella Robert Ryan es un millonario abandonado en el desierto por su mujer y la amante de esta que tendrá que sobrevivir en medio de la nada para vengarse. Aunque fue concebida para lucir el 3D en espectaculares entornos naturales, la magnífica interpretación de Ryan y la capacidad de Baker para el suspense la elevan muy por encima de otros productos similares.

El único evadido
(The one that got away, 1957)

Se trata de una aventura bélica inspirada en la historia real de Franz von Werra, único oficial alemán que consiguió evadirse de los ingleses; la producción es inglesa pero el actor protagonista, Hardy Kruger, es alemán, y, en lineas generales, se muestra un enorme respeto por el enemigo, sin demonizar ni ridiculizar al bando perdido; Baker saca oro de la epopeya personal de Werra narrando sus desventuras con notable garra y realismo.

La última noche del Titanic
(A Night to remember, 1958)

Una honesta y competente recreación de la tragedia del Titanic (de la que la famosa versión de James Cameron robó planos, situaciones y hasta secuencias completas) plagada de rostros famosos ingleses y beneficiada de un excelente trabajo de miniaturas. Inspirada en hechos reales narrados por los supervivientes, es la película favorita de los aficionados a la famosa catástrofe por su verosimilitud y rigor histórico.

El demonio, la carne y el perdón
(The singer not the song, 1961)

La última parte de la carrera de Baker en el cine se caracterizó por tender cada vez más a la simbología, las segundas intenciones y en ocasiones el más puro camp; algo de esto ya está presente en este extrañísimo western de extrañas connotaciones (homo)sexuales en el que un cura intenta redimir a un malvado pistolero llamado Anacleto (menudo nombrecito). Anacleto es interpretado por un Dirk Bogarde embutido en cueros negros al que el padre redentor echa extrañas miraditas.

¿Qué sucedió entonces?
(Quattermass and the pit, 1967)

Tercera entrega de las aventuras del profesor Quatermass producidas para el cine por la Hammer; se trata de uno de los títulos más queridos por los aficionados, una serie B de ciencia ficción llena de jugosas ideas a la que Baker aporta su buen pulso narrativo y su capacidad para el suspense, elvándola muy por encima de la precariedad de sus medios.

El aniversario
(The anniversary, 1968)

Una divertida comedia negra producida por la Hammer con una deliciosamente decadente Bette Davies de protagonista; la película se centra sobre los avatares de una extraña familia disfuncional en el día del aniversario de su tiránica madre, que utiliza todos los trucos a su alcance para eliminar a quienes considera ajenos a la familia y mantener a sus hijos bajo su "protector manto".

Las amantes del vampiro
(The vampire lover, 1970)

La decadencia de la productora estaba cerca, de manera que empezaron a cargar las tintas con el gore y el erotismo; Baker supo aprovechar ambas coyunturas para rodar una de las más lujuriosas y sugerentes historias vampíricas de la época, que sorprende aún hoy en día por su aliento trágico y erótico; la película cuenta la historia de Carmilla, una vampira lesbiana que se dedica a alimentarse de tiernas jovencitas... su desgracia llega el día en que se enamora de una de ellas, pero sin embargo no puede evitar matarla poco a poco por su ansia de sangre.

Las cicatrices de Dracula
(Scars of Dracula, 1970)

Christopher Lee vuelve a encarnar por quinta vez al famoso vampiro para la Hammer; sin embargo, pese al evidente agotamiento, se trata de una revisión del mito que, aunque no tiene precisamente un gran guión, es rica en extrañas imágenes y atmósferas enrarecidas.

Dr. Jekyll y su hermana Hyde

(Dr. Jekyll & Sister Hyde, 1971)

Una peli extraña y bizarra como ella sola que ya comenté en un artículo propio.

Cine oculto - Perro blanco, de Sam Fuller

2010-10-06T13:45:00.000+02:00

Sam Fuller es un cineasta que no necesita presentación para los buenos aficionados; fue un individuo único, todo un personaje en si mismo, un "outsider" del cine americano cuya vida fue tan intensa e interesante como sus propias películas: reportero avispado, veterano de guerra, novelista, director de culto... Fuller realizó la mayor parte de sus trabajos durante los 50 y los primeros 60, casi siempre dentro de los parámetros de la serie B, tras un corto y azaroso paso por la producción de primera linea.

La década de los 70 la pasó casi en blanco, condenado al ostracismo en su propio país por el contenido polémico de sus cintas, pero a principios de los 80 volvió con un par de títulos capitales de su filmografía, que no terminaron de cuajar en su resurrección cinematográfica (eran tiempos poco propicios para el cine militante de Fuller) pero que, con el paso del tiempo, se han convertido en películas casi míticas; el primero de estos títulos fue Uno rojo: División de choque (The Big Red One, 1980), una cinta bélica que narra con singular acierto sus propias experiencias de guerra, y el segundo fue Perro blanco (White dog, 1982), la película que comentaré a continuación.

Julie Sawyer (Kristy McNichol) es una jóven actriz que vive en un chalet en las colinas de L.A.; volviendo una noche a casa en su coche atropella sin querer a un enorme pastor alemán blanco. Julie lleva al perro al veterinario y decide colgar fotos del animal para localizar a su dueño; sin embargo, se va encariñando poco a poco de él, y decide quedárselo.

Sin embargo, a pesar del aparente caracter amable del animal y de su instinto protector, este va mostrando ocasionales ataques de furia asesina contra humanos de raza negra. Julie contacta entonces con un experto en doma de animales para películas, el veterano Carruthers (Burl Ives), que le dice que debe sacrificar al animal ya que se trata de un "perro blanco", un perro asesino entrenado por racistas para matar a negros. Sin embargo, Keys (Paul Winfield) socio de Carruthers y de raza negra, decide reeducar al perro, al tratarse de un asunto que le toca personalmente y que se convierte en una obsesión personal.

Perro blanco es uno de los más brutales alegatos anti-racistas que uno pueda echarse a la cara, y, sin embargo, en su momento se paró su distribución y la película fue acusada de ser todo lo contrario, debido a una incomprensible campaña de desinformación que volvió a condenar a Fuller al ostracismo; quizá la parábola que proponía Fuller era demasiado adulta o demasiado inteligente, pero desde luego, no se la puede calificar de sutil: si hay algo que caracteriza a este autor es la contundencia con que expresa sus posturas, y Perro blanco es contundentemente anti-racista.

El planteamiento de Fuller acerca del racismo es tremendamente poderoso: para él el racismo es una enfermedad mental, un condicionamiento impuesto desde la infancia para temer aquello que es diferente y atacarlo con saña y furia; este concepto está representado por un espectacular perro blanco, en apariencia normal, fiel y cariñoso, que oculta a un terrible monstruo racista y asesino en su interior.

Esto es entre tú y yo, hijo de puta

Frente a este condicionamiento, se plantean dos posturas, la de Carruthers (entrañable Burl Ives), que cree que no puede ser curado, y la de Keys, que considera casi un deber sagrado demostrar que puede invertir el proceso de condicionamiento. La lucha de Keys (excelente y carismático Paul Winfield) por doblegar al monstruo y recuperar al perro es sin duda uno de los puntos más fascinantes del film, representado en continuos duelos de miradas y choques de voluntades.

La estructura narrativa de la película y su gusto por el exceso y el pulp recuerda vivamente a otros de sus títulos de los 60 como Corredor sin retorno (Shock corridor, 1963) o Una luz en el hampa (The naked kiss, 1964); dentro de este estilo tan propio y característico no sobra ni falta nada, Fuller construye grandes escenas desde la escritura (1) y las rueda con su soltura e ingenio habituales, logrando excelentes momentos de suspense, alguno casi terrorífico: la interpretación de los perros que encarnan al animal protagonista es asombrosa, llegando a expresar lástima o pavor de un segundo a otro. Por otra parte, la irrupción del racista culpable del condicionamiento del perro es una verdadera patada en los cojones (Fuller aprobaría esta expresión) a la iconografía WASP yanki.

En definitiva, a pesar de su look ochentero y de la parquedad de medios con que fue rodada, Perro blanco se impone por su arrollador sentido de la puesta en escena y por su guión plagado de reflexiones y parábolas, del que destaco poderosamente el fascinante desarrollo de la relación entre el perro y Keys; me resulta del todo incomprensible que una película tan concienciada, casi imprescindible para comprender las raices de la discriminación racial, pudiera ser tan mal entendida en su tiempo.

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(1) El guión fue escrito al alimón con un jóven Curtis Hanson, luego famoso guionista y director de L.A. Confidential, e inspirado en una novela de Romain Gary de la que al parecer se distancia en algunos aspectos.

Semana horribilis - Arthur Penn, Sally Menke, Tony Curtis, RIP

2010-10-04T12:25:00.000+02:00

En el plazo de unas pocos días han fallecido tres nombres de diversa importancia dentro de la historia del cine, a saber, el realizador Arthur Penn, la montadora Sally Menke y el actor Tony Curtis.

Arthur Penn 1922-2010

Uno de los cineastas clave del cine norteamericano de los 60 y 70, miembro de la "generación de la televisión" (John Frankenheimer, Robert Mulligan, Sidney Lumet, Martin Ritt, Frankin J.Schaffner, George Roy Hill, Delbert Mann...) y muy influyente en la concepción del nuevo cine americano.

Penn realizó numerosos dramas y adaptaciones teatrales en la televisión antes de dar el salto al cine a finales de los años 50 con El zurdo (The left handed Gun, 1958), un western desmitificador sobre la figura de Billy el niño interpretado por un excesivo Paul Newman, en la que introdujo algunas técnicas visuales propias de la televisión o heredadas de cineastas europeos o japoneses (Rashomon y Los siete samurais de Kurosawa habían supuesto toda una revolución para estos jóvenes realizadores)

Su segunda película, El milagro de Anna Sullivan (The miracle worker, 1962), era un esforzada e intensa adaptación teatral inspirada en hechos reales que reportó sendos oscars a sus protagonistas femeninas. Posteriormente fue expulsado del rodaje de su siguiente proyecto, El tren (The train, 1964), debido a las discrepancias con su actor principal, Burt Lancaster; la película fue finalmente rodada por John Frankenheimer, que consiguió una de sus mejores obras.

A mediados de década rueda una de sus películas más extrañas y personales, Acosado (Mickey One, 1965), que narra la historia de un cómico de garitos y tugurios interpretado por Warren Beatty que huye de la mafia.

Un año después rodó una de sus películas más famosas, La jauria humana (The chase, 1966) con un reparto estelar que incluía, entre otros, a Marlon Brando, Robert Redford, E. G. Marshall, Jane Fonda, Robert Duvall, Angie Dickinson... La película es una parábola social en la linea de Solo ante el peligro, pero teñida de la sensibilidad izquierdista de la época; en ella Marlon Brando interpreta al sheriff de una pequeña localidad que se encuentra con el deber de cazar a un preso, interpretado por Robert Redford, enemistado con el cacique local por mantener un affaire con su mujer; el terrateniente y sus seguidores caldearán el ambiente del pueblo para intentar linchar al evadido, mientras el sheriff tendrá que enfrentarse a sus vecinos para hacer cumplir la ley.

Su siguiente película, Bonnie And Clyde (1967) se convirtió en un hito y está en la lista del American Flim Institute de las películas más influyentes de la historia del cine americano; narra la historia de una pareja de legendarios asaltadores interpretados por Faye Dunaway y Warren Beatty durante la época de la depresión americana. El retrato psicológico de ambos es complejo y oscuro, pero la razón por la que la película quedó grabada en la mente de los espectadores fue por su tratamiento visual de la violencia, cercano al de Sam Peckinpah (y adelantándose por un par de años a Grupo salvaje)

Tras el éxito de Bonnie And Clyde, Penn rodó un extraño film, El restaurante de Alicia (Alice's restaurant, 1969) protagonizado por el cantante folk Arlo Guthrie, hijo del legendario Woody Guthrie; se trata de una película bastante coyuntural a ritmo de música folk.

Al año siguiente rodó otra de sus más famosas películas, Pequeño gran hombre (Little big man, 1970), un entretenidísimo western revisionista y tragicómico que cuenta, en un largo flashbacks, las memorias de Jack Crabb (Dustin Hoffman), una especie de Forrest Gump del oeste que se las ingenió para conocer a figuras legendarias como Wild Bill Hickcok o el general Custer y sobrevivir a la mismísima batalla de Little Big Horn.

Tras un varios años de inactividad interrumpidos por una película coral que no he visto (Visions of eight, 1973) volvió al cine con un excelente thriller intimista, La noche se mueve (Night moves, 1975), en la que Gene Hackman interpreta a un detective privado encargado de encontrar a la hija adolescente huida de un productor de Hollywood (Melanie Griffith, con 18 años, en su primer papel acreditado en el cine)

Al año siguiente rodó un extraño y muy violento western, Missouri (The Missouri breaks, 1976) protagonizado por Jack Nicholson y un Marlon Brando desatado y excesivo cuyas excentricidades estuvieron a punto de dar al traste con el proyecto.

Su decadencia llegó en los 80, una década poco propicia para su cine reflexivo y militante; rodó aún así unas cuantas películas que no ha evisto; en los 90 terminó volviendo a la televisión como director y productor en la serie Ley y Órden (Law & Order).

Sally Menke 1953-2010

Sally Menke ha fallecido prematuramente hace unas pocas horas en Los Angeles, al parecer por un golpe de calor que la ha pillado desprevenida en pleno verano californiano.

Aunque no es un nombre muy famoso para el público general, los aficionados la conocemos por ser la montadora oficial de Quentin Tarantino, pareja creativa a la que se ha comparado a menudo con la formada por el director Martin Scorsese y la montadora Thelma Schoonmaker.

Menke ha colaborado con Tarantino en todas sus películas desde Reservoir dogs (1992): Pulp fiction (1994), Four rooms (1995), Jackie Brown (1997), Kill Bill 1 y 2 (2003 - 2004), Death proof (2007) y Malditos bastardos (Inglourious basterds, 2009).

En contra de lo que mucha gente pueda creer, el estilo visual de Tarantino está anclado en el más profundo clasicismo, abunda en planos largos y composiciones estáticas, aunque su espíritu gamberro e iconoclasta le lleva a romper continuamente este clasicismo con la irrupción de insertos y elementos visuales y musicales que lo acercan al "arte pop"; es decir, cine que, como las obras de Warhol, bebe descaradamente de otras películas de géneros populares (western, thriller, chambara) y que las copia y mezcla con desparpajo para crear nuevas obras.

Menke, con un estilo tan preciso como versátil, se ajustaba como un guante a estos requerimientos. y a la compleja estructura narrativa no lineal tan típica de Tarantino; es una lástima que halla fallecido tan jóven.

Tony Curtis 1925-2010

Tony Curtis fue uno de los actores más famosos de los años 50 y 60, aunque su estrella decayó rápidamente posteriormente, donde sus trabajos no volvieron a brillar como en estos años; nacido en el Bronx y de origen judío, se hizo famoso rápidamente por su aspecto aniñado y gamberro y su acento típicamente neoyorkino, convirtiéndose en una especie de galán juvenil, aunque terminó por abrirse un hueco y demostrar su talento en producciones más complejas.

Su vida personal fue muy tumultuosa, llena de matrimonios, hijos, amantes, alcohol y fiesta, llegando a declararse en alguna ocasión como un verdadero adicto al sexo.

Su filmografía es larguísima e incluye numerosas películas interesantes, así que voy a intentar reducir la lista a unos cuantos títulos fundamentales:

Chantaje en Broadway, de Alexander McKendrick (Sweet smell of success, 1957), magistral y negrísima película de cine negro en la que interpreta a un espabilado que se dedica a buscar escándalos para un despreciable locutor-estrella de la prensa rosa, interpretado por Burt Lancaster. El mundo del mundo del espectáculo y el periodismo sensacionalista es representado sin concesiones, donde la corrupción, las bajas pasiones y las puñaladas traperas son el pan nuestro de cada día.

Los vikingos, de Richard Fleischer (The vikings, 1958) Modélico film de aventuras medievales, probablemente de lo mejor que se ha rodado en el género, una aventura adulta que huye del maniqueismo y que se convirtió en un hito por su excelente puesta en escena, sus vibrantes escenas de acción y las carismáticas interpretaciones de todo el plantel, con un Kirk Douglas salvaje y brutal como protagonista al que Curtis da una convincente réplica, pero sin hacerle sombra. (1)

Fugitivos, de Stanley Kramer (The Defiant ones, 1958) Un exitoso thriller de denuncia, ligeramente lastrado por el típico tono didáctico de su autor, pero aún así muy entretenido y recomendable; Tony Curtis y Sidney Poitier son dos presos, uno blanco y otro negro, que se fugan encadenados el uno al otro y tienen que superar sus prejuicios raciales para sobrevivir en medio de un territorio hostil.

Con faldas y a lo loco, de Billy Wilder (Some like it hot, 1959), legendaria comedia ambientada en la época de la ley seca en la que Tony Curtis y Jack Lemmon son dos músicos de jazz obligados a travestirse para huir de la mafia, inflitrados en una orquesta de señoritas donde se encuentran con Marilyn Monroe.

Operación Pacífico, de Blake Edwards (Operation Petticoat, 1959) una simpática comedia ambientada en un submarino que permitió a Curtis encontrarse con su ídolo, Cary Grant; ambos son respectivamente el primer oficial y el capitán de un submarino de la armada estadounidense con un grupo de enfermeras buenorras a bordo que acaba atrapado en alta mar pintado de color rosa...

Espartaco, de Stanley Kubrick (Spartacus, 1960), espectacular y revolucionario peplum, alejado de las habituales producciones cristianizantes de la época, más centrado en el aspecto político y social del contexto histórico y con una puesta en escena más sucia y realista de lo acostumbrado. El enfoque, marcadamente izquierdista (no obstante fue firmado por Dalton Trumbo, hasta entonces condenado al ostracismo por la caza de brujas) causó no pocos problemas entre el productor y estrella Kirk Douglas y los diversos guionistas y directores implicados. En ella Curtis interpreta a un personaje secundario con claras connotaciones homosexuales.

El sexto héroe, de Delbert Mann (The outsider, 1961), una reflexiva cinta bélica (o post-bélica) en la que Curtis interpreta a Ira Hayes, uno de los soldados que ayudó a levantar la famosa bandera de Iwo Jima; Hayes, de origen indio, fue usado como objeto propagandístico y acabó sus días alcoholizado. Su historia está representada también en Banderas de nuestros padres, de Clint Eastwood, aunque en la película de Mann toma el protagonismo absoluto.

La carrera del siglo, de Blake Edwards (The great race, 1965), entretenidísima macrocomedia de época plagada de inventos victorianos y estrellas famosas; en ella Curtis interpreta a un héroe caballeresco y seductor que acepta el reto de competir en una carrera de vehículos motorizados desde Nueva York a París; le acompaña una periodista de profundas convicciones feministas (Natalie Wood) y es perseguido constantemente por el malvado Profesor Fate (Jack Lemmon)

No hagan olas, de Alexander McKendrick (Don't make waves, 1967), un engañosa comedia de aspecto en primera instancia insubstancial que supone una ácida crítica al ideal americano de la época consitente en playa, surf, tios mazas y chicas en bikini.

El estrangulador de Boston, de Richard Fleischer (The Boston strangler, 1968), formidable thriller inspirado en hechos reales en el que Curtis interpreta a un asesino de mujeres que sembró el pánico en Boston durante los primeros años de la década de los 60. Espectacular interpretación de Curtis y modélica dirección y montaje que sacan oro del recurso de pantalla partida.

Tras esta última película la estrella de Curtis decayó y se encasilló en comedietas típicas y alguna que otra película de acción, hasta acabar en la TVparticipando en una serie exitosa (Los persuasores), telefilmes y demás. A finales de los 70 hizo su última película de cierto prestigio, El último magnate, de Elia Kazan (The last tycoon, 1976), basada en una novela de F.Scott Fitzgerald que narra la decadencia de un magnate del Hollywood dorado interpretado por Robert De Niro. Curtis interpretaba un papel secundario en una película plagada de veteranos de lujo: Robert Mitchum, Ray Milland, Dana Andrews, John Carradine, Donald Pleasance...

A partir de entonces fue más famoso por sus juergas, sus matrimonios y por perseguir jovencitas antes que por su trabajo como actor, cada vez más esporádico y en producciones de menor enjundia.

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(1) Como curiosidad, es la última película que rodó con su esposa, la escultural Janet Leigh, antes de separarse en 1962. Del fruto de este matrimonio nació Jamie Lee Curtis, famosa por las mismas razones que su madre.

OK Go, creatividad y sentido del humor

2010-09-22T16:17:00.001+02:00

OK Go son una banda de rock de Chicago compuesta por Damian Kulash (vocalista y guitarra), Tim Nordwind (bajo), Dan Knopka (batería y percusión) y Andy Ross (teclados y guitarra). OK Go se han convertido desde hace ya unos años en todo un fenómeno mediático por internet gracias a sus videos musicales, habitualmente rodados en un plano secuencia en el que los integrantes del grupo protagonizan complejas coreografías interpretadas con desparpajo y sentido del humor.

Los primeros clips de OK Go, a principios de la década, seguían una linea relativamente convencional, con un montaje frenético que subrayaba el sonido pegadizo y contundente de la banda, pero ya se intuía desde entonces el espíritu gamberro de sus componentes (por ejemplo, en Get Over It el video se ve súbitamente interrumpido por una partida de ping pong) A partir del videoclip casero que hicieron para su tema A million ways comienza su famoso estilo de plano secuencia, del que han hecho todo tipo de variaciones, desde las más sencillas hasta las más elaboradas en puesta en escena o postproducción.

A continuación el listado de sus videos musicales (en algunos videos la inserción está desactivada por petición de la discográfica, así que en estos casos tendremos que conformarnos solo con el link)

Get Over It

Link al video: http://www.youtube.com/watch?v=3BxfpbyV-uc
Este video fue dirigido por Francis Lawrence, famoso director publicitario y de videoclips, que también debutó en el cine hace unos años. A propósito de la coña de la secuencia de ping pong, los propios componentes del grupo rodaron un video sobre consejos para jugar al ping pong:

Don't Ask Me (2 versiones)

Link al video: http://www.youtube.com/watch?v=G4K0d3D2zug
Dirigido por Barnaby Rope, fotógrafo de moda y director de videoclips.

Link al video: http://www.youtube.com/watch?v=vZ1W3tmxryc
Dirigido por Brian L. Perkins, director publicitario y de videoclips colaborador habitual de la banda.

A Million Ways

Link al video: http://www.youtube.com/watch?v=bav63MWNUKg
Rodado de forma casera por el propio grupo en el patio trasero de Damian Kulash, el baile fue coreografiado por su hermana, Trish Sie. En un principio no iba a ser el video oficial, tan solo una pequeña broma del grupo para ver entre amigos, pero acabó convirtiéndose en un verdadero boom a través de internet con millones de visitas; tal fue el éxito que la banda decidió montar un concurso de imitadores a través de Youtube, "The OK Go Dances With You(tube) Contest", cuyos ganadores tuvieron el privilegio de bailar con ellos en el escenario durante algunos conciertos.

Do What You Want (3 versiones)

Party version

Link al video: http://www.youtube.com/watch?v=D9MFpXDqpZI
Dirigido por Olivier Gondry (hermano del director Michel Gondry) director publicitario y de videoclips; se rodó con 35 cámaras DV que permitían, en postproducción, simular los movimientos de cámara que forman la ilusión de planos continuos que panean rápidamente sobre el grupo.

Wallpaper version

Link al video: http://www.youtube.com/watch?v=bRHwoIvAUI0
Dirigido por el propio grupo y Blip Boutique, director publicitario e interactivo; es uno de los videos más populares y bizarros del grupo.

Tour version

Link al video: http://www.youtube.com/watch?v=NDEYl9uRNsk
Dirigido por Scott Keiner, realizador televisivo y de videoclips. Se trata de un videoclip más convencional con imágenes de directos.

Invincible

Link al video: http://www.youtube.com/watch?v=mItuZ8i4wH8
Michael Barnett (del que no he encontrado apenas información) y Damian Kulash.

Here it goes again

Link al video: http://www.youtube.com/watch?v=dTAAsCNK7RA
Dirigido de nuevo por Trish Sie, es el video más famoso y probablemente el más visto de OK Go (se estima que ha sido visto a través de internet más de 50 millones de veces); el grupo realiza una divertida coreografia sobre cintas andadoras que llevó 17 tomas para poder ser completada en un solo plano.

WTF?

Dirigido por Tim Nackashi (del que tampoco he encontrado mucha información) y la propia banda; los objetos que aparecen en el video fueron adquiridos en el equivalente del "Todo a 100".

This too shall pass (2 versiones)

Banda

Dirigido de nuevo por Brian L. Perkins. Se trata de uno de los videos más complejos de la banda, puesto que, no solo está rodado en un solo plano con numerosos extras, sino que la música también está grabada in situ y difiere de la interpretación del disco en numerosos aspectos.

Rube Goldberg Machine

Dirigido por James Frost, realizador de videoclips para numerosas bandas famosas; otro video tremendamente complejo que requería de una enorme instalación y que se convirtió en un hit instantáneo en internet.

End love

Dirigido por Jeff Lieberman, especialista en robótica, y Eric Gunther, director, ambos expertos en instalaciones interactivas. Se trata un video-clip espectacular rodado con diversas técnicas de time-lapse y con el habitual sentido del humor de la banda. El pato que sigue insistentemente a OK Go durante el video es un pato real del parque donde fue rodado, cuya presencia no estaba prevista en un principio pero que, al parecer, se encariñó con los miembros del grupo y acabó siendo el quinto protagonista del video.

White Knuckles

Dirigido de nuevo por Trish Sie, esta vez no solo rodado en un solo plano secuencia, sino que también se incluye a perros amaestrados, todos ellos provenientes de perreras o asociaciones de adopción de animales.

Galactica, la serie original... ¿qué fue lo que falló?

2010-09-21T18:43:00.000+02:00

Los que andan por los treintaytantos recordarán que, antes de que le tocase el turno a El Equipo A y El coche fantástico, pasamos el verano jugando a ser Starbuck y Apolo, luchando contra los cylones en nuestros vipers, siempre protegidos por la imponente mole de la última Estrella de Combate, la Galactica...

There are those who believe... that life here... began out there.
Far across the universe.
With tribes of humans who may have been the forefathers of the Egyptians, or the Toltecs, or the Mayans...
That they may have been the architects of the great pyramids, or the lost civilizations of Lemuria or Atlantis.

Some believe that there may yet be brothers of man who even now fight to survive somewhere beyond the heavens...

Hay algunos que creen… que la vida que conocemos… empezó allí fuera.
En el universo lejano.
Con tribus de humanos… que pudieron ser los antepasados de los egipcios, de los toltecas o de los mayas…
Que pudieron ser los arquitectos de las grandes pirámides, de la civilización perdida de Lemuria o de la Atlántida…

Algunos creen que pueden existir hermanos del hombre que incluso ahora siguen luchando por sobrevivir en algún lugar más allá del cielo.

La humanidad ha conquistado el espacio y su mayor nucleo son las 12 Colonias de Kobol, defendidas por enormes astronaves denominadas Estrellas de Combate (Battlestars). El peor enemigo de la humanidad son los cylones, una raza de robots que esclaviza o destruye a cuantas civilizaciones encuentra a su paso; el mismo día que se celebra la paz con los cylones, estos aprovechan para lanzar un ataque fulgurante que destruye las 12 Colonias, ayudados por el traidor Conde Baltar (John Colicos).

Todas las Estrellas de Combate son tomadas por sorpresa y destruidas menos la Galactica, cuyo comandante, el veterano Adama (Lorne Greene) sospecha de la traición cylon y mantiene sus escudos y posición de combate desoyendo las órdenes del Consejo de los Doce. Adama retorna a su planeta natal, Caprica (una de las 12 Colonias), y descubre que todavía hay supervivientes y naves civiles capaces de volar.

Adama, estudioso de la historia y los antiguos conocimientos, descubre la leyenda de la Decimotercera Tribu, que se alejó de las 12 Colonias de Kobol y se asentó en un hermoso planeta azul a muchos años luz; bajo el mando de Adama, los maltrechos restos de la humanidad, hacinados en todo tipo de naves y protegidos por la Galactica, atraviesan el espacio formando una larga comitiva, en busca del planeta de la Decimotercera Tribu, un mundo lejano y distante llamado... Tierra.

El punto de partida de Galactica es absolutamente fascinante, huele a fantasía, misterio y aventura épica "larger than life"; el opening de la serie me provocaba verdaderas convulsiones de placer cuando era pequeño, con todas esas naves y explosiones acompañadas por una pegadiza fanfarria (quizá uno de los temas musicales más espectaculares escritos para la televisión hasta entonces):

Aunque en España se emitió en 1983, Battlestar Galactica fue producida a finales de los 70 aprovechando el éxito en los cines de Star Wars (o, como decíamos entonces, La guerra de las galaxias) Su creador, Glen A. Larson (Magnum P.I., El coche fantástico) la había concebido unos años antes como una especie de versión espacial del arca de Noé (durante un tiempo, la serie iba a llamarse Adama's Ark), y tomó numerosos elementos de la película de George Lucas para darle su aspecto final; los puntos en común de ambas obras eran tan evidentes que la 20th Fox, productora de Star Wars, intentó demandar a la Universal, productora de la serie, juicio que fue desestimado cuando los abogados de Larson demostraron que, a su vez, Star Wars tampoco era un producto 100% original y que había tomado elementos de películas producidas por la Universal.

Galactica fue en su momento y durante mucho tiempo después la serie más cara de la historia de la televisión; los tres primeros episodios, que forman una saga unitaria entre si, tuvieron un presupuesto de 7 millones de dolares, y para recuperar lo invertido tuvieron que ser estrenados en cines con un remontaje de de 125 minutos frente a los 148 originales. Gran parte del presupuesto se gastó en efectos especiales, obra de John Dykstra, artífice también de los FX de la primera saga de Star Wars (de hecho, algunas de las maquetas de Galactica pueden verse en los planos finales de El imperio contraataca)

La serie contaba además con un reparto de veteranos famosos (entre los que destacaba Lorne Greene como un totémico Adama, lo mejor y más destacable a nivel interpretativo con diferencia) y numerosas estrellas emergentes como Dirk Benedict, posteriormente famoso por ser Templeton "Faceman" Peck en El equipo A (1). Entre los nombres ilustres de la televisión y el cine que aparecen en Galactica podemos nombrar a Ray Milland, Patrick Macnee, Jane Seymour, Lew Ayres, Lloyd Bridges, Britt Ekland, John Colicos, Fred Astaire, Ray Bolger, etc...

¿Que falló, pues, en Galactica? ¿Porqué una serie con semejante potencial no tuvo más que una sola temporada y no generó una legión de admiradores ni un estatus de culto como sucedió con Star Trek o Star Wars?

La respuesta es complicada; Galactica cuenta a nivel argumental con numerosos conceptos, tramas y subtramas tremendamente interesantes; por ejemplo, se trata a menudo la política interna de los supervivientes, los problemas de abastecimiento de comida, las discusiones entre el mando militar (Adama) y el civil (Consejo de los Doce), las diferencias sociales entre los supervivientes ricos y los pobres, las consecuencias de la intervención en otras sociedades, etc... sin embargo todo esto se ve diluido entre otras temáticas absurdas y excesivas, tamizadas de un trasfondo religioso y moral tremendamente trasnochado con ciertos toques de republicanismo galopante.

Así, en numerosos episodios el protagonismo recae sobre el insufriblemente cursi hijo adoptivo del capitán Apolo (Richard Hatch), a su vez héroe sin tacha, que a menudo se marca algún que otro discurso acerca de la libertad sustentada en la fuerza al más puro estilo del partido republicano; a mitad de serie hacen aparición naves pilotadas por ángeles (si, ángeles de Dios) e incluso el mismísimo Diablo; y en el último tercio de la temporada se encuentran con un planeta muy similar al nuestro, llamado Terra, que se halla dividido en dos bandos que no son más que una versión ridicula y panfletaria de los USA y la URSS de la Guerra Fria (los sosías de la URSS, denominados Alianza del Este, visten uniformes militares pseudo-nazis, son belicosos y crueles, mientras que los otros son demasiado blandos por confiar en el gobierno civil y no en el militar... ¡¡¡ahí es nada el mensajito político!!!)

Muchos episodios de Galactica comienzan con premisas interesantísimas, y se diluyen poco a poco por culpa de estos giros argumentales; particularmente bochornoso es el episodio Greetings from Earth, que empieza de forma prometedora y acaba como una película de serie Z: la Galactica encuentra una nave del misterioso planeta Terra y todos piensan que puede tratarse de la Tierra, pero resulta que sus habitantes no están habituados a la misma presión atmosférica, planteándose la terrible posibilidad de que la búsqueda de la Tierra prometida sea en vano; se plantean numerosos dilemas morales, científicos y políticos, pero a medio episodio la trama gira hacia la aventura más ridícula, con la aparición de dos penosos androides supuestamente graciosos (¡¡¡uno de ellos interpretado por Ray Bolger!!!(2)), una aventurilla romántica con tufo machista y paternalista entre Apolo y una de las Terranas y la vergonzosa aparición de los soldados de la Alianza del Este.

A estos inconvenientes argumentales se unía una realización un tanto torpe; la televisión de la época era bastante plana en este apartado, y Galactica padece del mismo tipo de caligrafia visual y montaje convencional típico de las series de la época, a los que se suma la reutilización de los mismos planos de FX una y otra vez para abaratar costes.

Así pues, Galactica es una serie bastante decepcionante que, al contrario de lo que sucedía con la serie original de Star Trek, que se elevaba por encima de sus defectos y fallas coyunturales gracias a la inteligencia y humor que destilaban casi todos sus capítulos, no es capaz de llevar a buen puerto sus más que interesantes premisas, quedándose en una serie fallida y dispersa. Aún así he de confesar que, si uno hace la vista gorda y la ve con los ojos de niño criado en los 80, se puede disfrutar como un enano con ella... el tema principal aún sigue causándome la misma espectación que entonces, y siempre es grato recuperar sensaciones tan puras como esa.

Más información y detalles, aquí.

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(1) En los créditos de algunas temporadas de El equipo A, Dirk Benedict hacía una broma al reconocer a un tipo disfrazado de cylon:

(2) Famoso por su aparición como el espantapájaros de El mago de Oz.

¡Una del oeste! - parte III

2010-09-17T13:59:00.000+02:00

Se acaba el verano, se acaban las tardes con pelis del oeste, pero alguna me quedaba por comentar, bastante atípicas las 3:

Tierra generosa

de Jacques Tourneur (Canyon Passage, 1946)

La acción se situa en Oregón, a mediados de los 50 del siglo XIX, y narra las andanzas de Logan Stuart (Dana Andrews) un aventurero hombre de negocios atrapado entre el amor de dos mujeres, Caroline (Patricia Roc), una joven de origen inglés, y Lucy (Susan Hayward), prometida de su mejor amigo George Camrose (Brian Donlevy), un jugador siempre metido en problemas al que Logan se mantiene siempre fiel a pesar de los quebraderos de cabeza que le causa. Se trata de una película muy entretenida y colorista, con una elaboradísima puesta en escena y grandes secundarios característicos (Ward Bond, Lloyd Bridges, Hoagy Carmichael, Andy Devine) que componen un muy notable relato coral de época, que transita el melodrama antes que la aventura.

Camino de la venganza

de Siney Pollack (The scalphunters, 1968)

Joe Bass (Burt Lancaster) es un avezado trampero que, tras volver de una provechosa temporada de caza, es asaltado por unos indios que le roban las pieles y le dejan a cambio a un esclavo negro huido llamado Joseph Lee (Ossie Davies) Cuando decide espiar a los indios para recuperar las pieles, un grupo de bandidos robacabelleras liderado por Jim Howie (Telly Savalas) los asalta y los masacra sin compasión, llevándose el cargamento consigo; Bass y Joseph Lee se enfrascan entonces en una persecución detrás del grupo de asaltantes. Se trata de un típico western revisionista de finales de los 60 que, si bien no es magistral, está escrito y rodado con bastante gracia y efectividad, y alcanza grandes momentos cómicos y tragicómicos gracias a las excelentes interpretaciones de sus carismáticos protagonistas; Burt Lancaster y Ossie Davies resultan especialmente divertidos.

La proposición

deJohn Hillcoat (The proposition, 2005)

Australia, finales del siglo XIX; el capitán Stanley (Ray Winstone) da caza a Charlie Burns (Guy Pierce) miembor de una peligrosa familia de asaltadores y asesinos, y le hace una extraña proposición: tiene 9 días para dar muerte a su hermano mayor Arthur (Danny Huston), lider de la banda, y a cambio liberará a su hermano pequeño. Charlie se adentra en terreno mahorí en busca de su misterioso hermano, un asesino brutal y despiadado dotado de una gran inteligencia del que los nativos hablan como si fuese un ser sobrenatural. Se trata de un extrañísimo western con guión del músico Nick Cave, que si bien no desarrolla en todo su potencial su interesante premisa, está rodado de una forma magnética y crea una atmósfera malsana y salvaje muy interesante.

Claude Chabrol 1930 - 2010

2010-09-13T12:32:00.000+02:00

"La tontería es infinitamente más fascinante que la inteligencia. La inteligencia tiene sus lÍmites, la tontería no."

Claude Chabrol

Chabrol era uno de los supervivientes de la Nouvelle Vague, ese famoso movimiento de cineastas franceses que se nombra más que se conoce, y ha estado haciendo películas toda su vida hasta el día de su muerte; reconozco que no soy muy entendido en su cine, (aunque alguna suya he visto, pero soy totalmente ignorante de sus primeras obras) pero creo que un cineasta de esta envergadura se merece una reseña, tanto por su labor como director como por sus primeros tiempos como crítico en Les Cahiers du cinéma.

De aquella etapa, que compartió junto a gente como Éric Rohmer, Jean-Luc Goddard o François Truffaut, merece destacar su apasionada defensa de Alfred Hitchcock, que no contaba con el prestigio crítico y el estatus de maestro que tiene hoy en día; Chabrol y Truffaut fueron probablemente los dos cineastas surgidos de la publicación fundada por André Bazin que más admiraban el trabajo de Hitchcock y en los que se vislumbra una más que notable influencia.

Chabrol comparte con Hitchcock (entre otros también podríamos mencionar a Fritz Lang, algo evidente hasta en el título de alguna de sus películas como Doctor M - Docteur M., 1990) una visión similiar del mundo como una especie de juego de máscaras, donde lo que se ve de forma cotidiana suele ser la punta del iceberg de lo que subyace detrás de cada personaje; las tramas de sus películas suelen ser bastante sencillas, a menudo transitando géneros de intriga y suspense, pero los personajes que las habitan son sin embargo tremendamente complejos.

Aunque era un hombre de gran cultura literaria, curiosamente muchas de sus películas se inspiran en novelas populares o baratas de misterio, a las que Chabrol despoja de artificios superficiales para resaltar la mentalidad de los personajes que las pueblan; tal es el caso, por ejemplo, de La ceremonia, (La cérémonie, 1995), una magnífica película basada en una obra de Ruth Rendell (algo así como una sucesora de Agatha Christie), sobre la historia de dos mujeres (una empleada de hogar y una oficinista de correos) a las que sus condicionamientos sociales y culturales han relegado a una vida anodina y cuya presencia terminará desatando un vendaval de sospechas entre una familia acomodada y aparentemente maravillosa que en el fondo oculta numerosos secretos; o de La década prodigiosa, una de sus películas más excesivas y comerciales, inspirada en un relato de Ellery Queen (seudónimo de diversos autores a lo largo de la historia, casi una franquicia de novelas de misterio baratas), que nos muestra a una poderosa familia llena de oscuros recovecos; la boda del severo patriarca con una mujer mucho más joven que él, provoca un terrible enfrentamiento con su pusilánime hijo, que mantiene una relación secreta con ella.

De las 6 o 7 películas que he visto de Chabrol me quedo sin lugar a dudas con El carnicero (Le boucher, 1970) una disección del serial killer narrada con una sequedad y capaz de incisión y sugestión que pone los pelos de punta, y que también supone un inquietante y sórdido retrato del mundo rural y de la naturaleza humana en general; El carnicero tiene guión del propio Chabrol, esta vez sin inspirarse en ninguna obra preexistente, y está considerada por muchos como la quintaesencia del estilo y las inquietudes del realizador francés.

Aprovechando la triste noticia de su muerte, espero subsanar mi ignorancia sobre gran parte de su obra en los próximos meses, a la espera de encontrar otras películas suyas tan sugerentes como La ceremonia o El carnicero.

Satoshi Kon 1963-2010

2010-08-26T12:53:00.000+02:00

Acabo de enterarme de la muerte de Satoshi Kon, al parecer a causa de un cancer de pancreas.

Kon era un creador de anime muy personal, interesado en hurgar entre los sentimientos más ocultos de los seres humanos, con un estilo propio fascinante y complejo; sus películas están plagadas de personajes con extraños secretos conscientes e inconscientes, y transitan a menudo el terreno de lo onírico y lo surrealista. El universo de Kon tiene numerosas relaciones con el de gente como Lynch, Bergman, Buñuel o Jodorowsky: para Kon la "realidad" es una máscara que oculta un mundo extraño y salvaje de sentimientos, heridas, anhelos, fantasías...

Su producción es realmente escasa; empezó a principios de los 90 como animador y diseñador para algunas series, pero a mitad de la década ya había llamado la atención como guionista, participando en esta función en la película inspirada en relatos Katsuhiro Otomo Memories (Memorizu, 1995) Pocos años después se estrenaría también como director con Perfect blue (1998), un thriller psicológico con tintes terroríficos que cuenta la historia de Mima, una cantante pop que decide abandonar su carrera para dedicarse a la interpretación, y que es perseguida por un piscópata que no acepta su cambio de rumbo y quiere que permanezca por siempre con su imagen adolescente.

Kon ya explota todo su potencial para la exploración del lado oculto del alma humana en Perfect blue, pero perfecciona y depura aún más su estilo en Millennium Actress (2001); esta película narra la historia de un director que desea realizar un documental sobre una famosa actriz de cine japonesa por la que se siente fascinado, y cuya vida va reconstruyendo de forma fantasiosa a partir de retazos de películas mezclados con datos biográficos. Millennium actress llamó la anteción internacional y recibió numerosos premios.

Su tercera película, Tokyo godfathers (2003) es una entrañable comedia con un trasfondo terriblemente amargo en la que Kon muestra su afecto y comprensión por el género humano: tres vagabundos (una niña escapada de casa, un alcohólico y un transexual) encuentran a un niño abandonado en vísperas de navidad y ejercen de "reyes magos" para encontrar la familia del pequeño... se trata de una especie de remake de Los tres padrinos (Three godfathers, 1948) de John Ford, que aprovecha la universalidad de los temas religiosos y humanos de aquella (fundamentalmente, la búsqueda del perdón y la redención) para trasladarlos con singular acierto y sensibilidad al Tokyo moderno. Tokyo godfathers también fue galardonada con numerosos premios y es probablemente su película más querida por los aficionados.

Kon unió pequeñas historias descartadas de proyectos anteriores y otras que aún no habían encontrado hueco para su única serie de TV, Paranoia agent (2004), un fascinante fresco del Japón moderno aglutinado en torno a la figura de un extraño asaltante adolescente, "el chico del bate", que agrede a sus víctimas con un bate sin matarlos. A través de los efectos de sus misteriosas e inusitadas apariciones conoceremos a una enorme cantidad de personajes de lo más variado extrañamente conectados entre si: una inteligente oficinista que lleva una doble vida como prostituta, una joven diseñadora de muñecos de merchandising, un club de suicidas, los policías que investigan el caso, etc, etc, etc...

Dos años después estrenó su última película, Paprika (2006), que cuenta la historia de una psiquiatra que, mediante una poderosa e innovadora tecnología, se introduce en los sueños de sus pacientes empleando su alter ego, la detective Paprika. Cuando algunos de los prototipos de esta tecnología desaparecen, Paprika se ve envuelta en una investigación policial que sucede fuera y dentro del mundo de los sueños... Paprika fue la película de Kon mejor recibida por el sector crítico, siendo incluso nominada para un León de oro en Venecia, aunque quizá sea uno de los trabajos menos sorprendentes de Kon, que repetía muchos de los temas y recursos estilísticos explotados en Millennium actress y Paranoia agent.

Con su muerte queda en el aire la producción de una nueva película, The dream machine, cuyo argumento no ha sido aún desvelado, pero que podría ser una segunda parte de Paprika, y una adaptación de Paranoia Agent en imagen real que será estrenada en 2011. Lástima que la enfermedad se halla llevado tan pronto a uno de los genios del medio animado japonés.

Origen

2010-08-19T15:53:00.000+02:00

ATENCIÓN, CONTIENE ALGUNOS SPOILERS

Christopher Nolan parece haberse propuesto exprimir al máximo todas las posibilidades del guión cinematográfico, haciendo una acrobacia detrás de otra con la estructura de sus films, llegando al sumum del "más difícil todavía" en esta nueva muestra de su talento; Origen (traducción del complicado término Inception en inglés, que viene a decir algo así como "comienzo" o "concepción") no solo es un blockbuster entretenido y por momentos espectacular, sino también una audacia metacinematográfica, en ocasiones lúdica y autoconsciente de su propia condición fílmica.

Cobb (Leonardo DiCaprio) es un experto "con man" que se mueve como pez en el agua en el ambiente onírico gracias a una compleja tecnología que le permite introducirse en la mente de otros seres humanos mientras duermen; Saito (Ken Watanabe), máximo dirigente de una poderosa multinacional, lo contrata para una complicada misión: introducir una idea en los sueños de su rival, Robert Fisher (Cilian Murphy) para acabar con su megacorporación.

Se trata de una operación tremendamente arriesgada denominada "inception", que consiste en tender una trampa múltiple en los sueños de la víctima, de manera que una idea exterior arraige en su psique como si fuese propia. Para la operación, Cobb necesita reunir a los mejores especialistas en la materia: su habitual colaborador, Arthur (Joseph Gordon-Levitt), experto en organización, Eames (Tom Hardy), capaz de impersonar a cualquier individuo en la fase onírica, Yusuf (Dilep Rao), experto en sedantes y sus efectos sobre la consciencia, y la joven Ariadne (Ellen Page), capaz de proyectar complejas estructuras arquitectónicas dentro de los sueños.

Además de los problemas asociados a tan complicada operación, Cobb suma uno propio: el recuerdo persistente de su mujer (Marion Cotillard), que escapa de su control consciente y pone en peligro todas sus operaciones.

Algunos han comparado a Inception con Matrix, por aquello de que los personajes se introducen mediante una complicada tecnología en un mundo virtual donde ocurren cosas fuera de lo común (como escapar a la fuerza de la gravedad o crear objetos de la nada), pero la película de Nolan es mucho más compleja e inteligente que aquella, que, a pesar de su fascinante envoltorio, en última instancia era una historia más de buenos y malos y enviados mesiánicos.

Aunque pueda parecer lo contrario, la película de Nolan se asienta en gran parte sobre las complejidades de sus personajes, relacionados por intereses opuestos o concurrentes, huyendo de juzgar el alineamiento moral de los mismos; si bien la mayor parte de los secundarios son relativamente esquemáticos (aunque bien resueltos por los detalles y actitudes con las que son descritos), hay tres caracteres fundamentales cuyos precisos retratos dan pie a casi toda la trama: la mujer de Cobb (fascinante Marion Cotillard), convertida en un fantasma de su subconsciente que lo atormenta con culpabilidad y remordimiento, el joven heredero de la fortuna Fisher (Cilian Murphy, con esa extraña apariencia andrógina que aporta un plus de vulnerabilidad al personaje) cuya tormentosa relación con su padre está plagada de sumisión, sentimientos de inferioridad y complejos, y el propio Cobb (competente Leonardo DiCaprio) un tipo sumido en el pesar y el autoflagelo y que cada día tiene menos claras las fronteras entre la realidad y el mundo soñado.

Para contarnos la historia de estos individuos, Nolan pone en marcha todos los recursos habidos y por haber en cuanto a guión cinematográfico; toda película propone un mundo alternativo, irreal, en este caso "soñado", y unas reglas internas por las que se rige. Las reglas concebidas por Nolan en este caso son realmente atractivas: el terreno de los sueños es como un gran lienzo poblado por imágenes del subconsciente, proyectadas por el soñador, que pueden ser retazos de recuerdos, imágenes subjetivas sobre personas de su entorno real, impresiones de lugares y sensaciones conocidas, etc...

Los "arquitectos" son con men capaces de generar escenarios dentro de la mente del soñador, que este puebla con sus propias creaciones oníricas; así, si el arquitecto genera una calle, el soñador la poblará con las imágenes de personas con las que se ha cruzado, si genera un hogar, el soñador la llenará con sus objetos personales y proyecciones de sus seres más cercanos, y si crea una fortaleza o una caja fuerte, introducirá en ellas sus anhelos y secretos más profundos; los arquitectos son como guionistas y directores que generan películas dentro de los sueños ajenos, y, al fin y al cabo, en eso consiste hacer cine: en generar mundos soñados donde el espectador viva experiencias fuera de la realidad (1).

Luego hay muchas otras reglas que enriquecen este mundo, como los métodos para sacar a los soñadores conectados de su trance (la muerte dentro del sueño, o la pérdida de equilibrio y la inmersión en agua fría, etc...), la relatividad del tiempo dentro del sueño con respecto a la vigilia (un soñador puede vivir años en pocos minutos) o la necesidad de totems personales para distinguir la realidad del sueño. La más fascinante de todas estas reglas es la posibilidad de diferentes niveles de sueños dentro de sueños, una temática que me recuerda al Sandman de Neil Gaiman, a esos momentos en que sueñas que despiertas para darte cuenta de que sigues dormido.

Como buen guionista, Nolan toma las reglas que él mismo ha establecido y las exprime hasta la saciedad, haciendo piruetas en las que incluye un climax dentro de otro como un juego de espejos que se extiende hasta el infinito; en este terreno los guiños de Nolan hacia el espectador avispado son numerosos: desde la misteriosa e inexplicable tecnología empleada (todo un señor Macguffin), hasta las improbables operaciones económicas de Saito, pasando por los diversos saltos temporales: todo en la película es sueño, todo es cine.

La realización de Nolan es en general bastante sencilla, directa y clásica, y no pretende diferenciar un estado de vigilia de otro onírico (ni los flashbacks, ni los saltos en la trama) empleando algún tipo de truco o recurso visual (la fotografía y la puesta en escena se mantienten constantes y competentemente discretas durante toda la película); corresponde al espectador diferenciar donde se encuentra en cada momento, o donde cree encontrarse. Esto no quiere decir que los ralenties o FX no aparezcan, en ocasiones, para mostrarnos escenas surrealistas propias del sueño, con extrañas apariciones o modificaciones de las leyes físicas, pero, curiosamente, estos planos están reducidos al mínimo en favor de la narración y el desarrollo de los personajes principales.

El único pero de la realización reside en algunas secuencias de acción; es algo común al estilo de Nolan, al rodar la acción resulta a veces demasiado embarullado y poco hábil, abusando del montaje sincopado, con planos demasiado cortos y cerrados; esto se hace patente en algunos momentos del asalto a la fortaleza en el hielo, en uno de los múltiples climax de la película (2), aunque sin embargo la pelea ingrávida del hotel está bastante más conseguida.

Por otro lado, la música de Hans Zimmer sorprende alejándose de sus habituales "tatatachanes" para entrar, por una parte, en lo intimista, y por otra, en el thriller espectacular con ecos a la música de James Bond.

A pesar de su larga duración, (2 horas y media) y de la complejidad de su trama, Inception es sin embargo todo un blockbuster, una demostración de que el cine de masas puede (y debe) ser inteligente y tratar con respeto al espectador sin por ello dejar de ser entretenido y comprensible para cualquiera; en su conclusión, Nolan llega incluso a saltarse sus propias reglas para dejar claro que todo en Inception es sueño (o cine, que viene a ser lo mismo), y al final de los créditos, introduce habilmente el famoso tema de Edith Piaf (3) que Arthur utiliza en diversas ocasiones como "patada" para despertar del trance, como invitando al propio espectador a despertarse del sueño que Nolan ha creado para nuestro disfrute.

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(1) Buscando información e imágenes por la red me he encontrado con una interesante interpretación del crítico Devin Faraci, que considera que toda la película es una analogía del proceso cinematográfico: Saito es el jefe del estudio, Arthur el productor, Cobb el director, Ariadne la guionista, Eames el actor, Yusuf el encargado de los FX y Fisher el espectador. El artículo completo, aquí

(2) Homenaje de Nolan a su película favorita de la serie Bond, Al servicio secreto de su majestad, cuyo climax se iniciaba con el asalto a una fortaleza en los Alpes.

(3) Otro guiño, en este caso a la actriz Marion Cotillard, que fue lanzada a la fama interpretado a Edith Piaf en un biopic estrenado hace unos años.

Toy Story 3

2010-08-10T12:35:00.001+02:00

Toy Story fue la sorpresa de 1995, una película de dibujos animados íntegramente generada por ordenador que encandiló a niños y mayores, despejando las posibles dudas que pudiese haber acerca del futuro de la animación digital: era una técnica que había llegado para quedarse, y Pixar era, y sigue siendo, su máximo exponente dentro del cine de masas. En 1999 se estrenó una exitosa segunda parte que suponía un gran avance técnico y artístico, y que empezó a tratar temas más adultos ya sugeridos en la primera entrega: el abandono o el conformismo despótico de algunos adultos.

Algunos podrían pensar que esta tercera parte de la saga llega demasiado tarde (11 años después de la segunda), o que está producida deprisa y corriendo para apuntarse al carro del 3D, pero nada más lejos de la realidad: se trata de una conclusión lógica de las temáticas expuestas en las dos primeras entregas, y narrada incluso con más brio, más gracia y más encanto aún si cabe que aquellas dos.

Andy ha crecido y tiene ya 17 años, y en breve abandonará su casa y se irá a la univesidad; Woody (Tom Hanks), Buzz (Tim Allen) y el resto de los juguetes pasan sus días en un arcón, esperando a que Andy se acuerde de ellos para jugar, pero ese momento parece cada vez más lejano. Sin embargo, el temor a ser depositados y olvidados en el desván o, aún peor, tirados a la basura, crece entre ellos día a día.

Finalmente, los juguetes de Andy, junto con la Barbie de su hermana, acaban siendo cedidos a una guardería, Sunnyside, cuyos juguetes son gobernados por un oso de peluche con olor a fresas y aspecto bondadoso llamado Lotso. A pesar de todo, Woody decide escaparse para volver con Andy, mientras el resto de sus compañeros prefieren quedarse en Sunnyside. Pero las cosas no son lo que parecen: Lotso es un tirano que mantiene Sunnyside con métodos despóticos, y condena a los nuevos al aula de los niños más pequeños, que aún no tienen edad para jugar con ese tipo de juguetes y los maltratan indiscriminadamente.

Woody acaba accidentalmente en manos de Bonnie, una niña que vive a unas pocas manzanas de Andy y que va habitualmente a Sunnyside; a través de los juguetes de Bonnie (*), Woody se entera de la penosa situación de sus amigos en la guardería y decide volver allí para salvarlos.

Toy Story 3 está dirigida por Lee Unkrich, uno de los más veteranos de Pixar que ya participó en las entregas anteriores de la saga y en otras películas emblemáticas de la productora como Buscando a Nemo o Monstruos S.A., pero, dadas las características de este cine, sería injusto atribuirle a él solo la autoría de la película, una obra de conjunto en la que se nota la mano de otros clásicos de la productora como Andrew Stanton y el alma de Pixar, John Lasseter.

La película se nutre, más que nunca, a una serie de temáticas inusuales en el cine infantil que no dejarán indiferentes a los más adultos de la sala: el paso del tiempo se hace muy presente a través de numerosos detalles, como el perro de la casa, un pobre animal gordo y vago que ya no se parece a aquel bicho saltarín y dinámico de antes, o una vieja grabación en video que nos muestra como han cambiado los posters y la decoración de la habitación de Andy...

Todos los personajes de la película se enfrentan, de una u otra manera, al cambio, al final de una época y al principio de otra, o incluso a su propia extinción: el agridulce trago del final de la infancia, el paso a la adolescencia y la madurez, el simple hecho de asumir que nada dura para siempre... especialmente amargo es el personaje de Lotso (al que pone voz un imponente Ned Beatty), parecido al viejo ranchero de la segunda parte, al que su incapacidad de asumir los cambios de la vida ha convertido en un déspota lleno de miedo a perder lo que tiene. Y, ¿cuantos adultos no conocemos así, gente que oculta su conformismo y su miedo al cambio bajo una aparente sabiduría que impone a los demás como si fuesen dogmas inapelables?

Sin embargo, lejos de caer en la sensiblería o el exceso discursivo, el plato que propone Pixar está servido con un dinamismo apabullante, donde los gags se suceden uno detrás de otro sin descanso, alcanzando momentos de hilaridad absoluta en la relación entre los almibarados Barbie y Ken (genial la aportación de voz de Michael Keaton a este personaje), las desventuras de Mister Potato sufriendo las más despitorrantes transformaciones o el cambio de idioma de Buzz Lightyear al español (¿como habrán doblado esto?),todo amenizado por la característica BSO de Randy Newman, que en esta ocasión cuenta con la divertida aportación rumbera de los Gipsy Kings.

El aspecto visual y técnico es, como nos tiene acostumbrado esta productora, simplemente formidable; aunque retoma el look artificial y plasticoso de los juguetes típico de las anteriores entregas, los escenarios, el entorno físico y los efectos atmosféricos son más espectaculares y creibles que nunca, llegando al sumum en la emocionante secuencia del vertedero de basuras. Aunque el 3D aumenta en ocasiones la espectacularidad de la película, no parece que esta halla sido únicamente concebida para este medio y creo que puede disfrutarse sin problemas en 2D.

En definitiva, Toy Story 3 es una de esas razones por las que uno paga una entrada de cine; a nivel personal puedo decir que, en los últimos años, es habitualmente el cine de animación el que me hace revivir la intensidad con la que antiguamente sentía el medio, el que es capaz de hacerme olvidar que estoy viendo un puñado de lineas (o de pixels, en este caso) Acompañando a estos juguetes en sus desventuras, me he acordado de mis propios jugetes (dónde estarán) y de la magia que había depositada en ellos. Pero, como bien deja claro esta película, hay que sobreponerse al pasado y mirar hacia delante, hacia el infinito... ¡y más allá!

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(*) Uno de los juguetes de la habitación de Bonnie es ni más ni menos que un peluche de Totoro, la famosa creación de Hayao Miyazaki, todo un homenaje a otro de los maestros del medio

Patricia Neal, 1926 - 2010

2010-08-09T10:55:00.000+02:00

Me despierto con la noticia de la muerte de Patricia Neal a los 84 años, una carismática y talentosa actriz estadounidense que rompió muchos de los moldes del Hollywood de los 40, 50 y 60 con su voz aguardientosa y sus poderosos y complejos personajes.

Aunque su talento interpretativo ya había destacado previamente en el teatro (había ganado un premio Tony), lo que la hizo famosa a finales de los 40 fue su escandaloso romance con Gary Cooper, casado y mucho mayor que ella, que salió a la luz durante el rodaje de El manantial (The fountainhead, 1949), su segunda película, una inclasificable e interesantísima cinta de King Vidor basada en la obra de la filósofa Ayn Rand.

Confinada después en el cine a papeles menos poderosos, paseó aún así sus capacidades por alguna serie B memorable como Ultimatum a la tierra (The day the earth stood still, 1951). Mientras se casó con el escritor Roald Dahl (del que se divorciaría en los 80, tras un descubrir que le ponía los cuernos con una amiga) y se lió a tener hijos con él como una posesa (perdería a una hija de este matrimonio a principios de los 60, con tan solo 7 años), para volver a deslumbrar, de la mano de Elia Kazan, en la formidable Un rostro en la multitud (A face in the crowd, 1957), una tremenda película sobre el populismo y el poder de la demagogia y los medios de masas.

A partir de entonces, sus apariciones en cine serían mucho más esporádicas, dedicándose más al teatro y a sus hijos, pero siempre que volvía a la gran pantalla lo hacía a lo grande, con papeles secundarios memorables y totalmente roba-escenas, a menudo como pareja de hombres más jóvenes que ella: fue la amante ricachona que mantiene a George Peppard en Desayuno con diamantes (Breakfast at tiffany's, 1961), la criada madurita que provoca taquicardias a Paul Newman en Hud (Hud, 1963) - este último trabajo le reportó un merecidísimo oscar - y estuvo a punto de ser Mrs. Robinson en El graduado, pero...

... en 1965, durante un embarazo, sufrió diversos infartos cerebrales que la dejaron incapacitada para hablar y andar; el hijo nació sano, y Patricia Neal dio toda una demostración de esfuerzo y valentía, recuperándose casi milagrosamente hasta volver a poder hacer uso de sus capacidades, impresionando de forma tan duradera a sus doctores que el hospital donde se recuperó paso a llamarse, años después, The Patricia Neal Rehabilitation Center.

Sin embargo, su salud ya no fue lo que era y tuvo que declinar el papel de Mrs. Robinson en favor de Anne Bancroft; siguió trabajando después con asiduidad en cine, teatro y televisión, aunque sin alcanzar el esplendor anterior.

Personalmente, de entre los escasos pero increiblemente intensos roles en los que he podido admirar el talento de Patricia Neal, me quedo con su Alma Brown de Hud; una mujer del pueblo más llano y profundo, curtida y valiente, que paga las iras de un macho despreciable y ególatra interpretado por un encabritado Paul Newman, incapaz de sobreponerse al volcanismo de una mujer mayor que él y cuyo sentido común le daba sopa con ondas; y es que Patricia Neal demostró que la inteligencia y la personalidad podían llegar a ser irresistiblemente sexys.

Cine oculto - Mercenarios sin gloria, de André De Toth

2010-08-04T14:37:00.001+02:00

"War is a criminal enterprise. I fight it with criminals."

André de Toth fue un cineasta de lo más peculiar, el menos famoso y valorado de los "directores con parche" (John Ford, Fritz Lang, Raoul Walsh, Nicholas Ray), quizá porque siempre se movió entre la serie B y los productos de encargo; a pesar de ello, este húngaro de formación europea y trayectoria americana dejó un buen puñado de obras interesantes, sobre todo en el western (El honor del capitán Lex (Springfield rifle, 1952), El día de los forajidos (Day of the outlaw, 1959), Pacto de honor (The indian runner, 1955), La mujer de fuego (Ramrod , 1947)) y el cine negro (Ola de crímenes (Crime wave, 1954), Pitfall, 1948); su obra más famosa quizá sea Los crímenes del museo de cera (House of wax, 1953), la película en 3D más taquillera de los 50, que, aún siendo estimable, me resulta más convencional y menos interesante que las mencionadas y que Mercenarios sin gloria (Play dirty, 1969) la película que comentaré a continuación.

Tarantino provocó un pequeño revival cinéfilo el año pasado con Inglorious bastards del subgénero bélico de "comando de inadaptados en misión suicida". Siguiendo la estela de Doce del patíbulo, a finales de los 60 y principios de los 70 hubo todo un aluvión de películas de acción de este tipo ambientadas en la Segunda Guerra Mundial, pero probablemente la que se lleve la palma en cinismo e inmoralidad es esta, hasta hace poco, difícil de encontrar obra, la última firmada por André De Toth.

El coronel Masters (Nigel Green) es un oficial con métodos bastante poco comunes cuya guerra de guerrillas y sabotajes contra los nazis en África no está dando muy buen resultado; aún así pide ayuda nuevamente a su superior (Harry Andrews) para formar un comando que haga volar un importante oleoducto tras las lineas enemigas. El oficial asignado resulta ser el capitán Douglas (Michael Caine), que en realidad no es más que un ingeniero de la British Petroleum al que su importancia como asesor otorga el rango de capitán, pero que carece de experiencia militar.

Los hombres de Douglas, todos ellos criminales, algunos literalmente sacados de la carcel, se internan en el desierto disfrazados de soldados italianos; poco a poco Douglas va descubriendo que el verdadero lider del grupo es el brutal y cínico capitán Leech (Nigel Davenport) al que incluso Masters ha ofrecido dinero por mantener con vida a Douglas para evitar la mala prensa para sus hombres delante de sus superiores.

Los personajes de Doce del patíbulo son unas hermanitas de la caridad en comparación con los tipejos que pueblan esta película, desde el inmoral coronel Masters (competente Nigel Green) hasta el descreido Leech (excelente Nigel Davenport), pasando por la morralla que tiene a su servicio, un hatajo de asesinos y violadores; tan solo parece salvarse el inocente capitán Douglas (un Caine estupendo que pasa de la indefensión a la ira de forma progresiva), que poco a poco se irá embruteciendo también hasta compartir una extraña afinidad con Leech.

La visión sobre la guerra que arroja el guión no puede ser más desoladora y cínica: "La guerra es un asunto criminal; yo la lucho con criminales" reconoce el coronel Leech. Ninguno de los personajes parece comprometido de ninguna manera con su causa ni con su país, cada uno busca su beneficio personal o la simple supervivencia; además se dan ocasiones de una vileza sobrecogedora, como cuando varios miembros de este hatajo de inadaptados intentan violar a una enfermera de la cruz roja.

Lo cierto es que Mercenarios sin gloria es una película tan brutal y visceral que casi parece de Peckinpah, aunque su tratamiento visual sea menos operístico pero igualmente efectivo, e incluso espectacular en las escenas de acción y violencia; la realización es por momentos muy de su época, pero en general hace un excelente uso del scope, apoyada en una gran fotografía en exteriores españoles (Almería) y una puesta en escena sucia y realista.

¡Una del oeste! - parte II

2010-08-03T12:14:00.001+02:00

Pacto de honor

de André De Toth (The indian runner, 1955)

Uno de los primeros westerns en cinemascope, rodado por el singular Andre De Toth, que oscila entre planos perfectamente orquestados y otros típicos del cinemasocpe pionero (con los personajes dispuestos gratuitamente en los extremos de la pantalla, para que se vea lo larga que es); cuenta la historia de un explorador con buenas relaciones con los indios (Kirk Douglas), que se ve atrapado entre dos mundos cuando la avaricia de algunos hombres blancos por el oro que hay en terreno Sioux desata un conflicto entre la caballería y la tribu. Dista de ser una película perfecta, pero al menos es una aventura de lo más entretenida, con mucho interés por retratar a los indios de forma positiva y cierto gusto por la violencia un tanto sádica.

El valle del fugitivo

de Abraham Polonsky (Tell them Willie Boy is here, 1969)

Un atípico western basado en un hecho real, escrito y dirigido por uno de los damnificados por la caza de brujas, que narra la historia de Willie Boy (Robert Blake), un indio que, a principios del siglo XX, mata al padre de su novia en defensa propia e inicia con ella una huida a ninguna parte, perseguido por un implacable sheriff (Robert Redford) A través de esta anécdota Polonsky aprovecha para reflexionar sobre los males de los EEUU, el racismo, el machismo y la hipocresía presentes en su sociedad y su política, pero huyendo del maniqueismo: Willie Boy es honesto y sincero, pero también salvaje y brutal, mientras que el sheriff Cooper, como buen hombre "civilizado", cumple con unas normas que en realidad no siente como verdaderas pero que nunca pone en entredicho; entre medias, sus dos mujeres-amantes se ven relegadas o incluso menospreciadas. Interesante película, aunque la realización es un tanto plana y Robert Redford luce demasiado guapo y cool para lo que su personaje debiera ser.

Sierra prohibida

de Sidney J. Furie (The Appaloosa, 1966)

A Marlon Brando debieron gustarle mucho los spaghetti westerns de Leone con Clint Eastwood, de manera que se buscó a un director sin mucha personalidad para rodar su propio spaghetti, dando como resultado esta interesante película; la historia es muy simple: un soldado criado por los mejicanos (Marlon Brando) vuelve tras la guerra a la frontera para montar un rancho con su hermano adoptivo, a lomos de un hermoso semental de raza Appaloosa. Sin embargo, un estúpido incidente con la mujer de un terrateniente da como resultado que este le robe el caballo, desatándose una terrible enemistad entre ambos. Marlon Brando está más lacónico que nunca y Furie se mimetiza por completo con el tipo de planificación de Leone (aunque sin su genuino aire operístico) La excelente fotografía en exteriores también hace subir muchos enteros al conjunto.

Encubridora

de Fritz Lang (Rancho Notorious, 1952)

A finales de los 40 y principios de los 50 las conexiones entre cine negro y western se hicieron más evidentes que nunca; tal es el caso de esta película narrada como una balada de odio y venganza, que bien podría haber sido una historia de gangsters de haberse rodado unos años atrás: un joven cowboy (Arthur Kennedy) se embarca en la persecución de los asesinos de su prometida, a los que sigue hasta un misterioso rancho que sirve de guarida a todo tipo de criminales, regentado por una antigua cabaretera llamada Altar Keane (Marlene Dietrich) protegida por su amante, un famoso pistolero (Mel Ferrer). A pesar de algunos decorados y ropajes un tanto cantosos y de que sus protagonistas masculinos no resultan excesivamente carismáticos, la película cuenta con un gran guión y una prodigiosa puesta en escena típica de su director que la convierte en una obra fascinante.

Rio rojo

de Howard Hawks (Red river, 1948)

Si me preguntasen cual es la secuencia más famosa entre los westerns de todos los tiempos, tendría dificil la elección entre el asalto a la diligencia de La diligencia y el "Take 'em to Missouri, Matt!" de Rio rojo. Poco puedo decir de esta película que lo tiene todo, grandes personajes, preciosa fotografía en B/N, escenas míticas y entretenimiento a raudales.

Cine oculto - Las Furias, de Anthony Mann

2010-07-30T11:05:00.000+02:00

Después de las vacaciones, retomo mi ciclo de películas del oeste, y creo que esta se merece un artículo propio porque era casi desconocida para mi y ha supuesto una agradable sorpresa.

Las furias (The Furies, 1950) es la primera película de alto presupuesto de Anthony Mann, hasta entonces curtido en excelentes noirs de serie B; se trata de una película atípica salpicada de extraños retratos psicológicos, tintes de cine negro e incluso un cierto hálito místico, de tragedia griega, que se anuncia desde el propio título de la película; una especie de western épico en la linea de Duelo al sol, una historia de ambiciones, pasiones desatadas y conflictos emocionales "larger than life".

Vance Jeffords (Barbara Stanwyck) es la hija de T.C. Jeffords (Walter Huston) un magnate del ganado de Nuevo Mejico que regenta un inmenso rancho llamado Las Furias. En el rancho, pequeños grupos de mejicanos intentan sobrevivir tomando lo que pueden, siempre perseguidos por el cruel capataz de T.C., apodado "El Tigre" (Thomas Gomez); tan solo los Herrera, guiados por el hijo mayor de la familia, Juan Herrera (Gilbert Roland) escapan a la afición de El Tigre por ahorcar gente, protegidos por la amistad que une a Juan con Vance desde su infancia.

T. C. atraviesa problemas económicos que le obligan a emitir pagarés sin fondos, de manera que acude a la financiación de diversos bancos, pero a Las Furias les surgen muchos pretendientes con ánimos de hacerse con el terreno o parte de él; entre ellos está Rip Darrow (Wendell Corey), cuya familia poseía una pequeña parte del lugar antes de que T. C. se hiciese con todo. Darrow seduce a Vance para vengarse de la manera ignominiosa en que T. C. se hizo con las posesiones de su familia, al igual que la viuda Flo Bennett (Judith Anderson) se deja cortejar por T.C. para hacerse con su fortuna.

En la mitología griega, las Furias, hijas de la noche, eran la personificación de la venganza y el castigo, sobre todo contra los crímenes cometidos en el seno familiar; Tisifone castigaba a los asesinos, Alecto perseguía sin descanso a quienes hubiesen cometido delitos morales hasta hacerlos enloquecer, y Megera sembraba la cizaña y la discordia para castigar los delitos contra el matrimonio.

En la película de Mann hay tres personajes femeninos, tres furias, que traen la desgracia a T. C. Jeffords, una especie de rey Lear magistralmente interpretado por el irrepetible Walter Huston en su último papel en el cine: su hija, Vance (Barbara Stanwyck, sobre cuyas excelentes aptitudes interpretativas recae el peso de la película), su amante, la maquiavélica Flo Burnett (formidable y deliciosamente malvada Judith Anderson) y la matriarca de los Herrera, consumida por un odio ancestral contra Jeffords (Blanche Yurka, una mujer con un aspecto realmente imponente de cuyas miradas y gestos de odio Mann saca partido)

Gran parte de la película se desarrolla en interiores, lo que en un principio parece limitar las habilidades de Mann, que se muestra más estático y teatral en las primeras escenas; sin embargo, según avanza la película, hace gala de un dominio del espacio espectacular, usando el encuadre y los elementos escénicos para subrayar la acción, y apoyándose en unas cada vez más abundantes escenas en exteriores magníficamente fotografiadas y típicas de su director, donde el entorno natural se vuelve hostil, melancólico o romántico según el estado anímico de sus personajes.

Todos estos factores, intérpretes, realización, fotografía, unidos a un gran guión lleno de guiños místicos que retrata a sus complicados personajes huyendo de todo maniqueismo, configuran una fascinante película que, al menos para mi, era toda una desconocida dentro de la obra de uno de los mejores autores del Hollywood de la época.

¡Una del oeste! - parte I

2010-07-16T13:34:00.001+02:00

Llega el calor y me hincho a ver westerns como un jubilado más.

Se trata de una tradición personal, casi un ritual que repito todos los veranos desde tiempos inmemoriales: con la jornada intensiva (siempre que se cumple y no me quedo hasta las tantas currando) llego a casa, tomo mi comida habitual de estas fechas (gazpacho y jamón serrano, dieta nutritiva y de fácil preparación donde las halla) y me pongo una del oeste.

El western es un género no muy bien valorado por las audiencias modernas, existen numerosas ideas preconcebidas sobre las películas del oeste que rara vez se corresponden con la realidad; y es que el western más que un género es un escenario, con ciertas reglas y códigos propios, pero donde caben historias de cualquier tipo y miradas muy dispares; se trata de un territorio ideal para la narrativa, anclado en una época histórica lo suficientemente lejana y lo suficientemente cercana como para ser en parte realidad y en parte mitológica, y que permite desde el simple entretenimiento hasta las más sesudas reflexiones.

El western tiene todo lo bueno de los géneros populares, como el film noir, el thriller, o la ciencia ficción barata: la capacidad para sintetizar y estilizar los argumentos, las temáticas, los personajes, y lucir a menudo sencillo y directo, aunque en no pocas ocasiones esconda las reflexiones y formas de ver la vida de sus autores; de hecho, salvo contadas ocasiones, es habitual que los westerns desluzcan cuanto más evidentes son las pretensiones de sus artífices.

Así que durante estos días iré comentando someramente todos los westerns que vayan cayendo por mis manos, y empiezo con los que ya he visto estas semanas pasadas, saltándome Chuka a la que ya le dediqué un artículo propio:

Rio Bravo
de Howard Hawks (Rio Bravo, 1959)

Podría enumerar las virtudes cinematográficas de Rio Bravo y llenar una buena extensión de este blog: tiene un guión muy bien escrito con un gran desarrollo de caracteres, está magníficamente realizada y montada (con algunas secuencias de escuela, como la inicial con Dean Martin y la escupidera) pero la razón fundamental por la que Rio Bravo nunca falta en mis tardes de verano es porque es condenadamente entretenida y sus personajes son como viejos amigos; ver esta película es como pasarse una tarde de cervezas con Colorado, Stumpy, Feathers, Dude y John T. Just my rifle, my pony, and meeeee...

Arizona, prisión federal
de Delmer Daves (The badlanders, 1958)

John Huston hizo un peliculón con la misma novela de base, La jungla del asfalto, aquí traducida al western con un ánimo menos sombrío y trágico. Un western la mar de entretenido aunque a su protagonista, Alan Ladd, le faltasen tantos centímetros como carisma, hecho que se ve contrarrestado por los excelentes secundarios y unas cuantas memorables escenas de acción y suspense.

El pistolero
de Henry King (The gunfighter, 1950)

Una lúcida reflexión sobre el peso de la fama y la idealización de los pistoleros míticos, que narra la vida de un legendario "gunfighter" (encarnado magníficamente por Gregory Peck) al que persiguen su pasado y su leyenda como el más rápido del oeste. Un western cortito excelentemente escrito y dirigido en el que no falta ni sobra nada, y con muy buenos secundarios entre los que destaca el siempre memorable Millard Mitchell.

El día de los forajidos
de André de Toth (Day of the outlaw, 1959)

Un western extraño y atípico desde su ambientación, en parajes helados, hasta en sus personajes y sus conflictos internos. Sin ser una obra perfecta, resulta por momentos fascinante por su violencia y cinismo, por sus dos grandes protagonistas (Robert Ryan y Burl Ives) y por un tercio final que sucede en medio de las montañas, en una especie de infierno blanco que luce de miedo en blanco y negro donde el peor enemigo del hombre no es la naturaleza salvaje, sino el propio hombre.

Hombres sin fronteras
de Peter Fonda (The hired hand, 1971)

Otro western extraño, aunque este rodado en los 70 donde el revisionismo y el experimento era más habitual que en el caso anterior. Se trata de una obra libre, sin ataduras, que narra la vida de dos cowboys, de sus inquietudes y problemas domésticos, y de su único tesoro en la vida, la fidelidad y la amistad que se profesan mutuamente. La película cuenta con dos excelentes protagonistas, Peter Fonda y el gran Warren Oates, y una hermosa fotografía de corte naturalista.

Cimarrón
de Anthony Mann (Cimarron, 1960)

Opulenta superproducción sobre la popular novela de Edna Ferber, cuyo mayor aliciente es la vibrante dirección de Anthony Mann, que raya a gran altura en las secuencias de acción y de masas. Sin embargo, aunque no está mal escrita, el guión da demasiados tumbos y su pareja protagonista no era la ideal para el tipo de personajes que estaban interpretando. Aún así, se deja ver bastante bien.

Cine oculto - La carta del Kremlin, de John Huston

2010-07-05T14:18:00.000+02:00

A finales de los 60 las películas de espías estaban de moda; James Bond las había popularizado desde el principio de la década, y, a parte de generar numerosas imitaciones, también había propiciado la eclosión de un subgénero más crítico con el mundo del espionaje, como las aventuras de Harry Palmer (Michael Caine encarnó en tres ocasiones a este espía durante los 60 -Ipcress, 1965, Funeral en Berlín, 1966, El cerebro de un billón de dólares, 1967 - y otras dos veces en los 90 para la televisión en un vano intento de resucitar la serie - El expreso de Pekin, 1995, Medianoche en San Petersburgo, 1996) o las adaptaciones de John LeCarré (El espía que surgió del frio- The spy who came in from the cold, 1965, de Martin Ritt, Llamada para un muerto - The deadly affair, 1966, de Sidney Lumet)

Ninguna de estas películas críticas y con pretensiones de realismo sobre el mundo del espionaje se acerca en inmoralidad y mala baba a La carta del Kremlin (The Kremlin letter, 1970 de John Huston) De hecho, pocas películas pueden competir en ese aspecto con este film no apto para almas sensibles y espectadores convencionales...

En plena guerra fria, Charles Rone (Patrick O'Neal) es un oficial de la marina estadounidense que es expulsado de forma misteriosa del cuerpo, para ser reclutado por su memoria fotográfica, su conocimiento de idiomas y sus habilidades atélticas en un grupo de espías liderado por el enigmático Ward (Richard Boone) Al grupo se unen otros espías de diversas nacionalidades a cual más estrambótico: El asaltado de caminos (Dean Jagger) un veterano de las guerras mundiales que se oculta bajo la apariencia de un sacerdote; La puta (Nigel Green), un vividor especializado en bajos fondos, drogas y prostitución; El brujo (George Sanders) un homosexual travesti conocedor de ambientes nocturnos; y B.A. (Barbara Parkins) una atractiva joven a la que su padre, antiguo espía, ha enseñado todos los trucos para abrir cajas fuertes y colarse en cualquier sitio sin ser vista...

Rone recibe el nombre en clave de La virgen, y es entrenado para sustituir a Polyakov, fallecido en el intento de recuperar un importante documento conocido como La carta del Kremlin, que probablemente contiene un acuerdo entre americanos y soviéticos para impedir el armamento nuclear de China y que no debe caer en manos orientales. El peculiar grupo viaja a Moscú, donde se aloja en una casa perteneciente al capitán Potkin (Ronald Radd), jefe de contrainteligencia sovietica en los USA, al que Ward chantajea amenazando la vida de sus dos hijas y su mujer. Por otro lado, el implacable coronel Kosnov (Max Von Sydow), que había utilizado a su propia mujer (Bibi Andersson) para seducir y capturar a Polyakov, y su jefe Bresnavitch (Orson Welles) miembro del comité central del partido, intentarán parar los pies al grupo de Ward.

Lo primero que llama la atención de esta película es su reparto, plagado de fabulosos actores característicos ingleses (Nigel Green, George Sanders, Nial McGinnis, Micheál MacLíammóir), americanos (John Huston, Orson Welles, Richard Boone, Dean Jagger) y alguna sorpresa como los bergmanianos Max Von Sydow y Bibi Andersson o la rusa Lila Kedrova. Aunque el argumento es por momentos un galimatías, Huston desde el principio se muestra partidario de desarrollar todos los personajes usando la cuestión de La carta del Kremlin como una simple anécdota detonante de este circo de freaks encarnado por un reparto de ensueño.

El hilo conductor de la película es el personaje de Charles Rone (interpretado por un estólido Patrick O'Neal) que parece un trasunto de James Bond; como este, es oficial de la marina y está muy pagado de si mismo por su habilidad atlética y su ingenio despierto, pero se dará de bruces con un mundo donde no hay patrias, ni heroismo, ni intereses políticos legítimos: los espías de Huston son una caterva de mezquinos aprovechados y malvados en el mejor de los casos (como La puta, al que da vida con singular acierto un divertido Nigel Green) cuando no unos verdaderos psicópatas capaces de sonreir amablemente tras cometer los más brutales crímenes (como Ward, interpretado de forma diabólica y magistral por el nunca suficientemente valorado Richard Boone)

Tan malvados son estos espías del "lado de los buenos" que, en comparación, sus enemigos soviéticos, casi parecen bondadosos, aún siendo en algunos casos, como el del brutal Kosnov - Max Von Sydow, seres capaces de cualquier aberración en aras de su patriotismo, o de negociar y asociarse con el mismisimo diablo si es necesario, como el orondo Bresnovitch (siempre carismático Orson Welles).

La realización de la película, aún siendo efectiva, no es lo más destacable de la misma, siendo como es una obra más centrada en su guión y sus actores; como director, Huston huye de la espectacularidad y se decanta por una realización funcional y directa con ocasionales estallidos de violencia, dando cancha a sus actores para llevar el peso de la trama, y apoyándose en una competente puesta en escena y un montaje brioso y moderno. La fotografía es un tanto convencional de su época (un tanto sobreiluminada) aunque consigue buenos resultados en exteriores y en algunos interiores coloristas de burdeles y clubes nocturnos; la BSO se apoya prácticamente en un único tema y acompaña correctamente a las imágenes.

La carta del Kremlin fue muy mal recibida en su momento, a pesar de las esperanzas que había puesto Huston, que se sentía muy orgulloso de ella; el ferreo código Hays de censura en Hollywood había caido definitivamente hacía tan solo unos pocos años, y para público y crítica supuso un shock este cocktail de perversidad donde hay asesinatos, suicidos, homosexualidad, drogadicción, prostitución, inmoralidad y humor negro a raudales. Sin embargo, desde hace unos años, la película se ha revalorizado hasta alcanzar cierto estatus de culto; a nivel personal, me parece una de las mejores películas de la última etapa de su autor, un plato deliciosamente malvado y envenenado que no deja títere con cabeza.

Cine oculto - Los diablos del Pacífico

2010-06-23T12:14:00.001+02:00

La década de los 50 en Hollywood fue prolífica en películas de guerra, a menudo centradas en la glorificación de la hazaña bélica, género que estallaría en los 60 con numerosas superproducciones plagadas de extras y actores famosos. Sin embargo es también una década llena de obras con espíritu crítico y reflexivo sobre el conflicto: Casco de acero (The steel helmet, 1951) y A bayoneta calada (Fixed bayonets!, 1951), de Sam Fuller, La colina de los diablos de acero (Men in war, 1957) de Anthony Mann, Ataque (Attack!, 1956) de Robert Aldrich o Senderos de gloria (Paths of glory, 1957) de Stanley Kubrick son algunos de los títulos punteros de este sub-género.

Los diablos del Pacífico (Between heaven and hell, 1956) se encuentra también en esta corriente, aunque a menudo se vea relegada, e incluso algunas reseñas la despachen como una película bélica al uso. Nada más lejos de la realidad, se trata de una obra totalmente a contracorriente que analiza con extraña fiereza las consecuencias psicológicas de los soldados en el frente y que nos muestra a un grupo de personajes que, lejos de ser los típicos héroes concienciados con su causa, están más en lucha consigo mismos y entre ellos que con el enemigo.

Lo primero que sorprende de Los diablos del Pacífico es su puesta en escena: la secuencia previa a los títulos de crédito nos muestra un campamento de soldados desastrados y sudorosos donde se puede sentir el calor asfixiante, mientras un pasota Sam Gifford (Robert Wagner) es llamado ante la presencia del oficial que lo va a destinar a un nuevo puesto; cuando llegan los créditos irrumpe una ominosa adaptación a ritmo de fanfarria bélica del célebre Dies Irae del siglo XIII. La guinda la pone el conductor del jeep que lleva a Gifford a su destino, el soldado Crawford (Buddy Ebsen): le pregunta porqué ha sido degradado y, cuando Gifford le dice que ha sido por agredir a un teniente, el conductor le responde: "tenías que haberlo matado".

Gifford es enviado como castigo a un puesto perdido en la selva en una isla del Pacífico, donde los soldados lucen aún más desastrados y pasotas; el puesto está comandado por el paranoico capitán Grimes (Broderick Crawford) Grimes vive encerrado en una cabaña custodiada por sus soldados de confianza, esconde sus insignias de mando e incluso insta a sus hombres a que no le llamen "señor" para evitar ser acertado por algún francotirador; todos le conocen como "Waco" y temen sus arbitrarios ataques de ira.

El comienzo de la película ya marca el ambiente en el que nos vamos a mover: un mundo de individuos bajo presión a los que el conflicto bélico en el que están inmersos parece importarles un pito, que arrastran los mismos condicionamientos sociales de su estado civil (Gifford es un terrateniente del sur y muchos de sus compañeros son aparceros que no pueden evitar verlo como el "señorito") a lo que se suman el resentimiento contra la autoridad y el miedo a una muerte segura que puede llegar en cualquier momento; estos soldados son capaces de volverse unos contra otros e incluso de matarse, de manera que el único resquicio de esperanza que queda en Gifford radica en la amistad con Crawford, un aparcero que ve en él al chaval asustado y necesitado de calor humano que en realidad es.

Siendo como era un producto para lucimiento de la joven estrella (Robert Wagner), el guión sortea numerosos avatares con acierto desparejo para intentar centrarse en todos estos detalles psicológicos y mostrarnos la evolución de Gifford de joven y arrogante terrateniente a soldado descreido y desesperanzado sobre la condición humana (gran detalle el de mostrarlo víctima de la fatiga de guerra: a menudo sufre convulsiones y temblores producto del estrés y el miedo) Algunos personajes quedan algo desdibujados y el papel de la mujer de Gifford en el largo flashback inicial es un tanto ñoño, pero en lineas generales se trata de una película escrita con bastante criterio y cierta audacia polémica (sobre todo en la descripción del psicótico Waco y su relación casi homoerótica con sus no menos psicóticos soldados de confianza).

Robert Wagner, un actor bastante soseras, cuaja una aceptable actuación como Gifford, pero se ve acompañado por un grupo de excelentes secundarios que elevan el interés actoral de la película: Brad Dexter, Buddy Ebsen, Robert Keith, y sobre todo Broderick Crawford como el histérico y patético Waco.

Pero lo mejor de la cinta es, sin duda alguna, su realización; siendo una película pionera del formato panorámico, parece que Fleischer llevase décadas usándolo y saca oro de un presupuesto no muy espléndido que luce como si fuese diez veces mayor; las secuencias de acción son prodigiosas y contundentes como un puñetazo en el estómago, beneficiadas por el rodaje en exteriores y una fotografía sucia y realista que hace patentes el sudor, el polvo y la sangre. La espectacular música de Hugo Friedhofer se ajusta como un guante para crear secuencias memorables como la célebre huida final de Gifford a través de un tramo de selva plagado de soldados japoneses.

En definitiva, si bien no estamos ante una película perfecta, si que puedo decir que Los diablos del Pacífico es muy superior en intenciones y factura a muchas de sus coetáneas del género bélico, y que consigue entretener, sorprender e incluso inquietar igual o incluso mejor que otras películas bélicas cuyas pretensiones críticas y autorales son más evidentes.

Cine oculto - Chuka

2010-06-21T12:59:00.002+02:00

Al buen aficionado no le voy a descubrir a Gordon Douglas, un artesano habitual del cine de género (thriller, western) durante los 50 y los 60 que, pese a no ser muy reconocido, tiene más de una joya en su haber como La humanidad en peligro (Them!, 1954) o Corazón de hielo (Kiss Tomorrow Goodbye, 1950)

Douglas se pasó buena parte de su carrera haciendo películas para estrellas de capa caida o de poca monta, labor que compaginaba con productos de género sin excesivo apoyo económico por parte del estudio, lo que le permitió explorar temáticas novedosas y polémicas e incluso marcarse alguna película de culto como la magistral Rio Conchos (Rio Conchos, 1964), que es algo así como el eslabón perdido entre el western americano y el spaghetti western.

Chuka (Chuka, 1967) es, como Rio Conchos, una película en tierra de nadie, uno de los últimos westerns de estudio, que contiene rasgos propios del western americano clásico y otros más propios del eurowestern más extraño e inquietante como El gran silencio (Il grande silenzio, 1968, de Sergio Corbucci)

La película está narrada como un largo flashback que comienza con el informe de un oficial de caballería acerca de la masacre de Fort Clendennon, atacado por el jefe Hanu de los Arapahoes para conseguir comida; entre los desaparecidos se encuentra Chuka (Rod Taylor) un pistolero de pocas palabras que había venido de las tierras del norte. En su camino coincide con Hanu y sus hombres que se mueren de hambre en el crudo invierno, y les da de comer. Poco después se encuentra con una diligencia accidentada que lleva a dos mujeres mejicanas a bordo, entre las que se encuentra su antigua amante, Verónica Kleitz (Luciana Paluzzi).

Chuka decide acompañar a la diligencia hasta Fort Clendennon, comandado por el estirado oficial inlgés Stuart Valois (John Mills). El fuerte resulta ser un puesto plagado de militares en desgracia, a pesar de los intentos de Valois por mantener las apariencias y de su fiel sargento Otto Hansbach (Ernest Borgnine) por mantener la disciplina. Aunque Valois es advertido por su explorador, Lou Trent (James Withmore) y por el propio Chuka de las intenciones de Hanu de atacar el puesto para alimentar a sus hombres, este hace caso omiso y decide defenderlo antes que huir.

La comparación con El gran silencio no es circunstancial, puesto que ambas películas comparten el mismo destino ominoso para sus protagonistas, el mismo espacio cerrado en medio de la naturaleza y el mismo nihilismo: no hay recompensa ni castigo para los actos de estos personajes, simplemente una burla cínica del destino, una predestinación casi fantástica, como si Fort Clendennon fuese un lugar maldito donde todos estos individuos solitarios, heridos, que arrastran una losa del pasado, intentasen purgar sus penas.

Los personajes parecen estar divididos en dos clases, según pertenezcan al mundo "civilizado" (Valois, Kleitz, Hansbach) o al "salvaje" (Chuka, Trent, Hanu), poniendo en evidencia como los a menudo absurdos dogmatismos de los primeros terminan por estigmatizar a los segundos, desatando conflictos que no existirían de seguir los impulsos naturales humanos.

También el casting es peculiar; aunque nos encontramos con excelentes secundarios propios del género como James Withmore o Ernest Borgnine, tenemos sin embargo a un protagonista poco común como Rod Taylor, a una sex symbol del euro-exploitation como Luciana Paluzzi y a un intérprete prestigioso como el británico John Mills, resultando la mezcla extrañamente convincente.

La realización y la puesta en escena siguen la tónica general de mezcolanza, alternando el rodaje en estudio y una planificación moderadamente clásica con secuencias más modernas y ocasionales estallidos de violencia física o verbal sin concesiones; particularmente chocantes son la pelea a puñetazo limpio entre Chuka y Hansbach o la (anunciada desde el comienzo) masacre final con los Arapahoe entrando a sangre y fuego en Fort Clendennon.

Lo cierto es que en el origen mestizo de esta película radican su atractivo y sus incovenientes; la pobreza de medios y la artificiosa fotografía a veces no juegan a su favor, y algunos de los personajes quedan algo desdibujados en medio de todo el tinglado. Sin embargo Chuka es una rareza de lo más disfrutable por su extraña atmósfera, por su nihilismo sin contemplaciones, por su ocasional romanticismo y por su vibrante violencia; un western único propio de una época única de transición en el sistema de Hollywood.

Se acerca el invierno...

2010-06-17T11:32:00.000+02:00

HBO hizo oficial hace algunos días el primer teaser de Juego de Tronos, la adaptación televisiva de la primera entrega de la saga Canción de Hielo y Fuego de George R. R. Martin:

Winter Is Coming

También tenemos la primera imagen de Sean Bean como Eddard Stark:

Esperamos con impaciencia nuevos updates... Para más información, http://winter-is-coming.net/

Barrio lejano, de Jiro Taniguchi

2010-06-10T17:01:00.001+02:00

Barrio lejano es un manga de Jiro Taniguchi publicado a finales de los 90 que narra la historia de Hiroshi Nakahara, un hombre de negocios de 48 años, que se encuentra en la estación de Kyoto para tomar un tren que le lleve de vuelta con su mujer y sus hijas en Tokyo. Sin embargo, coje el tren equivocado que le lleva de vuelta a su pueblo natal, una pequeña localidad de 50.000 habitantes.

Cuando se encuentra allí, decide visitar el cementerio local para rendir homenaje ante la tumba de su madre, pero le invade un extraño sopor que le hace caer dormido. Al despertar, es de nuevo un chaval de 14 años y se encuentra reviviendo el pasado desde su perspectiva de hombre adulto, encontrando numerosos matices en su vida que antes le habían pasado inadvertidos.

El verano que Nakahara está reviviendo marcó el final de su infancia y supuso la ruptura de su familia, cuando su padre, de forma inexplicable, abandonó a su familia para no volver jamás. Nakahara ve entonces una posibilidad única para impedir este hecho y comprender cuales fueron las motivaciones de su progenitor para tomar semejante decisión.

Taniguchi es uno de los autores de manga más apreciados, a pesar de ir totalmente a contracorriente de todas las modas del medio; aunque a veces hay cierto toque fantástico en sus obras, sus obsesiones se centran más en el retrato intimista de sus personajes y en el análisis de la influencia social y de la coyuntura de época sobre los mismos, con abundantes detalles posiblemente autobiográficos sobre la historia reciente de Japón y los cambios sufridos por su sociedad.

Barrio lejano es algo así como una mezcla entre una película de Yasujiro Ozu con el enfoque de una de Spielberg; como en las delicadas obras de Ozu, se trata de un drama costumbrista, centrado en el nucleo familiar y sus problemas cotidianos; sin embargo, la irrupción de lo fantástico invita a una reflexión a otro nivel, cuando las vivencias pasadas se ven desde la óptica de la madurez e incluso se ofrece la posibilidad de vivirlas por segunda vez y cambiarlas...

Lo cierto es que, ¿quien no ha deseado volver a su adolescencia para cambiar el curso de los acontecimientos y vivir la vida como hubiésemos deseado que fuera, en vez de como ha sido? Ese es el privilegio que le es concedido a Nakahara, el protagonista de la historia, cuya perspectiva de hombre adulto le hace comprender mejor los sucesos del pasado, y le permite darse cuenta de sus propias circunstancias presentes.

De la mano de este hombre adulto reconvertido a niño, Taniguchi nos plantea una serie de preguntas y reflexiones de hondo calado emocional: ¿conocemos realmente a nuestra familia? ¿Quienes son esos desconocidos con los que hemos convivido durante nuestra infancia y a lo largo de nuestra vida? ¿Quienes eran antes de que se convirtiesen en "papá" y "mamá"? Taniguchi hace un retrato tremendamente humano y carente de juicio sobre sus personajes (totalmente reconocibles más allá de las barreras culturales), a los que demuestra un enorme respeto en sus circunstancias y miserias.

La narrativa visual de Taniguchi es de lo más personal; la secuenciación de sus viñetas es muy clásica, sin estridencias, pero cada una de ellas es de una perfección milimétrica y contiene un enorme poder expresivo que a menudo basta por si solo para expresar una idea, sin necesidad de la palabra para subrayarlo. Volviendo de nuevo a Ozu, muchas de estas viñetas parecen inspiradas en los famosos planos de interiores del célebre cineasta japonés, siempre preocupado por la reacción del personaje y el pequeño detalle que refleja su estado de ánimo; la inspiración no es solo visual sino temática, puesto que asistimos a numerosas comidas y cenas familiares, excursiones veraniegas o conversaciones íntimas en habitaciones o pequeños bares.

Barrio lejano es una pequeña obra maestra del cómic; una novela gráfica intimista y melancólica que apela al recuerdo y a la reflexión sobre el camino de la vida, sobre los deseos insatisfechos, sobre aquello que deseábamos y aquello que al final fue, sin caer jamás en el sentimentalismo ni el exceso. Una obra que sorprenderá incluso a los detractores del medio por su perfecta factura y su excelente guión.

Cine oculto - Fascinación

2010-06-07T17:38:00.001+02:00

Otros niños de pequeños querían ser bomberos o astronautas, Brian De Palma quería ser Hitchcock, y cunplió su sueño con esta película a mediados de los 70, una de sus primeras obras con cierto presupuesto.

A finales de los 50, Michael Courtland (Cliff Robertson) es un terrateniente de Nueva Orleans con una existencia idílica; vive en una gran mansión con su hija Amy y su mujer Elizabeth (Genevieve Bujold) por las que siente verdadera devoción, pero su vida se desmorona cuando ambas son raptadas para pedir rescate y mueren en una persecución policial. 16 años después, en un viaje por Florencia con su socio Robert Lasalle (John Lithgow), entra en la iglesia donde conoció a Elizabeth, durante la ocupación tras la Segunda Guerra Mundial, y encuentra a Sandra Portinari (Genevieve Bujold) una joven que es el vivo retrato de su mujer fallecida. A partir de entonces Courtland se obsesiona con Sandra, la sigue por las calles y la corteja sin descanso.

Si las películas de Hitchcock eran a menudo melodramas románticos desaforados y desopilantes, esta película de De Palma llega directamente a lo delirante y roza a veces el ridículo, pero está servida con tal dominio de la narración y el montaje que uno no puede sino rendirse a sus encantos; la labor de cámara de Fascinación, unida a una espectacular y también desatada BSO de Bernard Herrman (habitual de Hitchcock) hacen de ella una película de la que no puedes apartar los ojos, aunque no te creas ni papa de lo que pasa e incluso tengas que reirte en algunas ocasiones de puro exceso argumental.

La fotografía de Vilmos Zsigmond también intenta emular la de las películas del célebre realizador británico, aunque en mi opinión peca del uso de filtros difusores, y no alcanza la belleza plástica que este camarógrafo demostró en Deliverance, El cazador u Hombres sin fronteras.

Poco puedo decir de su guión y sus actores, porque en este caso son meros complementos para que De Palma plasme sus obsesiones visuales y homenajee a su maestro; a pesar de ser casi cien por cien previsible, el argumento gira y regira una y otra vez de forma totalmente consciente; no obstante su guionista, Paul Schrader, era otro admirador de Hitchcock, y pone todas sus artimañas narrativas al servicio de la situación antes que de la coherencia narrativa, para provocar las secuencias de suspense deseadas, donde De Palma luce su habilidad para la planificación y el movimiento de cámara.

Su intérprete principal, Cliff Robertson, cuaja una actuación bastante plana y un tanto lamentable como sosías de los James Stewart o Cary Grant de Hitchcock; Genevieve Bujold, aunque carece del aura de glamour que envolvía a Grace Kelly, Tippi Hedren, Eve Marie Saint y otras "chicas Hitchcock", está bastante mejor que su pareja, pero el que se lleva el gato al agua robando escenas es John Lithgow, un histrión ideal para este tipo de personajes con doble cara.

Fascinación es una película que es todo envoltorio (y por momentos es un envoltorio de lujo), un homenaje abierto a De entre los muertos (Vertigo, 1958, de Alfred Hitchcock) con la que comparte rasgos temáticos (la aparición de dos mujeres casi gemelas, el fetichismo y la necrofilia obsesiva de su protagonista) y estilísticos (los sueños, las persecuciones por la calle, las cámaras que dan vueltas alrededor de los personajes) y en menor medida a Rebeca (Rebeca, 1940), con su fascinación y omnipresencia de la mujer muerta que parece no descansar ni dejar descansar a su atribulado protagonista. Se trata de una obra que, si bien no es vital para la historia del cine, hará las delicias de los seguidores de De Palma y Hitchcock.

¡Izad la escandalosa!

2010-06-07T13:36:00.001+02:00

Las películas de barcos de vela, igual que las de ciencia ficción (que ya comenté en su momento), siempre me han atraido por la cuestión mitómana de lo naval y la adoración a la embarcación, ese pequeño refugio de madera, tela y cuerdas que hay que mimar, querer y cuidar para protegerse de la salvaje inmensidad del océano.

Voy a comentar algunas películas que me gustan especialmente por su aspecto puramente estético a la hora de retratar estos navíos:

El mundo en sus manos
(The world in his arms, 1952, de Raoul Walsh)

Esta entretenida película de aventuras ambientada en el mundo pesquero a mediados del siglo XIX, cuenta con una de las mejores persecuciones de barcos de vela (uno de sus diálogos, además, da título a este post); Gregory Peck y Anthony Quinn, los dos capitanes enfrentados, usarán hasta el último trapo a bordo para demostrar que su barco es el más rápido:

Master and Commander
(Master and Commander, 2003, de Peter Weir)

Aunque se trata probablemente de una de las mejores películas navales jamás rodadas, Master and Commander no tuvo el éxito merecido, quizá porque el público actual no estaba preparado para una aventura seria a la antigua usanza y esperaba algo más parecido a Los piratas del Caribe. Sin embargo, Master and Commander, a parte de hacer un excelente retrato de la vida a bordo de un barco durante las guerras napoleónicas, contiene unas batallas navales absolutamente espectaculares:

El barco construido para la película, renombrado como HMS Surprise, navega actualmente en viajes turísticos y es una réplica fiel de las embarcaciones de la época (1805).

Moby Dick
(Moby Dick, 1956, de John Huston)

Esta famosa adaptación del libro original de Melville con guión de Ray Bradbury cuenta, pese a sus detractores, con numerosos alicientes; uno de ellos es sin lugar a dudas la descripción del mundo ballenero, con escenas reales de caza de ballenas que huelen a sal y sangre:

El hidalgo de los mares
(Captain Horatio Hornblower, 1952, de Raoul Walsh)

Otra aventura marítima con la pareja Walsh-Peck, esta vez ambientada en las guerras napoleónicas; la película de Walsh está inspirada en una larga serie de novelas sobre el personaje de Horatio Hornblower escritas por C. S. Forester, en las que Patrick O'Brien también se inspiró para crear a su Jack Aubrey en la serie de novelas que dieron pie a Master and Commander. Se trata de una entretenidísima y colorista aventura que cuenta con grandes secuencias de miniaturas:

Rebelión a bordo
(Mutiny in the Bounty, 1962, de Lewis Milestone)

La más espectacular de las tres versiones sobre el famoso motín del Bounty cuenta con una espectacular fotografía en 70 mm que quita el hipo; sus iluminaciones naturales, su amplia gama cromática y el derroche de medios permitiueron el rodaje de unas imágenes navales sin parangón que lo dejan a uno pegado en el asiento con síndrome de Stendhal:

El HMS Bounty reconstruido para la ocasión también ha sido empleado como barco turístico en numerosas ocasiones.

Cine oculto - Dr. Jekyll y su hermana Hyde

2010-06-04T11:09:00.002+02:00

Con semejante título, uno puede esperarse o bien una cochambre de serie Z o quizá una comedia gamberra sobre el clásico de Stevenson; sin embargo, se trata de una de las variaciones más bizarras e interesantes sobre el relato original, rodada en los tiempos de mayor desmelene temático y visual de la Hammer, célebre productora británica de cine de terror.

El joven doctor Jekyll (Ralph Bates) dedica sus esfuerzos a conseguir una vacuna universal que acabe con las enfermedades víricas, sin salir de casa ni disfrutar de la vida; apesadumbrado por la cortedad de su existencia frente a semejante tarea, decide buscar una fuente de vida eterna que halla en las hormonas femeninas. Al probar su experimento sobre si mismo, se transforma en una voluptuosa mujer (Martine Beswick) y afloran a la superficie todos sus sentimientos hedonistas reprimidos; la señorita Hyde se convierte en una terrible asesina capaz de cualquier cosa para satisfacer sus ansias terrenales.

A finales de los 60 y principios de los 70 la Hammer se enfrentaba a una nueva forma de hacer cine de terror; sus fantasías góticas empezaban a estar pasadas de moda, de manera que, con la intención de atraer más gente al cine, cargaron las tintas en la violencia y el sexo, a parte de buscar cada vez argumentos y giros más impactantes. En esa coyuntura surgieron algunas de las peores y mejores obras de la productora, entre las que cuento a esta extraña y fascinante película.

El guión, pese a estar basado en una premisa poco creible, desarrolla el tema como si fuese un drama, ahondando en la psicología del personaje principal y aprovechando numerosos detalles de época para enriquecer la trama; así, hay ciertas analogías con Jack el destripador e incluso aparecen los famosos Burke y Hare que se dedicaban al tráfico de cadáveres.

Como casi siempre, la puesta en escena es fascinante: las imágenes victorianas de un Londres neblinoso unidas a una peculiar banda sonora, que huye de los tópicos musicales de la productora, crean una atmósfera fantástica casi perfecta.

La labor de su director, el veterano Roy Ward Baker, es realmente encomiable, transformándose en un estilista que auna clasicismo con modernidad con singular acierto; especialmente atractivos son los juegos de espejos que salpican toda la realización para subrayar la dualidad de Jekyll, llegando al sumum en algunas asombrosas transformaciones hechas a base de detalles, hábiles trucajes y elegantes movimientos de cámara.

Los intérpretes también están acertados, comenzando por un apocado y afeminado Ralph Bates capaz de transmitir toda la inseguridad de Jekyll y una Martine Beswick que, además de lucir el palmito, hace de Hyde una mujer fatal y terriblemente seductora. Los secundarios tienen la habitual profesionalidad y gracia de la Hammer, alternando sus personajes mugrientos y mezquinos con otros deliciosamente "british".

El resultado final, si bien no es perfecto ni apto para todos los paladares, es de lo más interesante y bizarro, incluso transgresor al tratar el tema de la transexualidad desde una óptica fantástica y psicológica que pone en evidencia la opresión del victorianismo inglés.

Se acabó Lost...

2010-05-25T11:23:00.001+02:00

...y las opiniones están divididas, el final gustó a muchos, pero no dejó del todo satisfecho a muchos otros.

En vez de explicar con precisión todo lo que ha pasado en esta serie, que ha sido una especie de carrusel de situaciones fantásticas cada vez más desmelenadas, giros de guión y vueltas de tuerca, se ha tirado por un camino donde cabe cualquier explicación o ninguna, según se mire, confirmando de alguna manera la teoría más extendida entre los fans desde la primera temporada y negada por los guionistas, lo que ha indignado e incluso enfurecido a más de uno.

Confieso que dejé de ver Lost con regularidad a partir del principio de la segunda temporada; aquello daba vueltas y vueltas y vueltas sin parar, y el truco se olía a leguas: lo que hubiese sido una gran mini-serie iba transformándose poco a poco en un enorme espectáculo de pirotecnia narrativa donde se exprimía el concepto una y otra vez hasta lo impensable.

Después me he ido enterando de como iba la cosa a base de capítulos sueltos y comentarios de amigos y foros, y he visto este último episodio por curiosidad; como fenómeno mediático, hay un antes y un después de esta serie, la habilidad de sus guionistas ha mantenido en vilo a medio mundo y ha generado legiones de fans que han llenado internet de teorías acerca del significado de los cientos de misterios que plagaban la historia.

Y, sin embargo, ¿que se esperaba esta gente?

Dadas las características de Lost, la sería podía acabar en cualquier momento o alargarse hasta el infinito; cualquier final era posible a discreción de los guionistas o productores, porque aquí valía todo: la gallina de los huevos de oro podía seguir dando huevos hasta que el personal se cansase, aunque se ha optado por sacrificarla a bombo y platillo, con gran pompa y circunstancia, siguiendo la tradición de un espectáculo televisivo que ha basado siempre sus premisas en crear este tipo de espectación.

Personalmente no veo nada de malo en esto, creo que Lost ha cumplido lo que prometía, que no era más que entretener, mover gente, vender DVDs y Blu-rays y conseguir elevadas audiencias; tampoco me voy a extender en un análisis creativo o artístico, pero si me gustaría señalar que esta jugada no es nueva, que Lost ya se había inventado antes...

Podría sacar a colación referentes televisivos tan chapuceros como el cachondeo de las últimas temporadas de Dallas o el final de Los Serrano (y algo de eso puede haber en la conclusión de Lost) aunque creo que Lost ha intentado parecerse más a otras series "de autor" que han jugado conscientemente con el espectador como Twin Peaks, The kingdom o El prisionero.

Patric McGoohan ya estuvo "Lost" hace más de 40 años

La diferencia fundamental entre estas útlimas y Lost radica precisamente en la capacidad de crítica, el ánimo satírico, gamberro y radical de sus autores, frente al intento de contentar audiencias de la serie de J. J. Abrams; quizá los fans de Lost no estaban preparados para un final tan magistralmente gamberro y antisistema como el de El prisionero, donde la explicación a los misterios de "The village" (que es, en muchos aspectos, el antepasado de "la isla" de Lost) pasa por la sátira simbólica y la crítica sangrante en vez de la explicación religiosa, edulcorada y new age con que ha concluido Lost.

De todas formas, Lost no es sino la conclusión lógica de todo un subgénero cinematográfico que eclosionó a finales de los 90 y principios de los dos mil, el de las películas "con sorpresa": Abre los ojos, El sexto sentido, Existenz, Dark city, Matrix, Los otros, Cypher, etc, etc, etc... que ofrecían mil y una variaciones sobre "al final están todos muertos", "están conectados a una realidad virtual", "todo ha sido un sueño" o "todo pasa en la mente del protagonista". En algún momento u otro el concepto tenía que pasar a la tele, un medio masivo y más popular aún que el cine, que en los últimos años ha dejado de ser el hermano mayor de la caja tonta.

Pero estas "sorpresas" son tan viejas como el cine y han sido empleadas por cineastas de diversa índole desde los albores del medio (¿alguien ha visto El gabinete del doctor Caligari?), desde los artesanos del cine de terror de serie B (El carnaval de las almas) hasta autores como Resnais (El año pasado en Marienbad), Bergman (La hora del lobo) o Gilliam (Brazil)

No hay nada nuevo bajo el sol: un contador de historias siempre es un timador y un tramposo; que nos creamos o no lo que nos cuentan depende de muchos factores; por ejemplo, a nivel personal, me cuelan las trampas si vienen acompañadas de una crítica consciente, cuando el autor me guiña el ojo y me dice: "esto no tiene ninguna lógica dentro de la trama, pero me sirve para hacerte caer tal o cual reflexión"... si además, como en el caso de El prisionero o The kingdom, me hacen reir a carcajadas, o me estremecen y me inquietan como en La hora del lobo o Brazil, pues ¡bienvenidas sean!

¿Quién es el Número 1? En realidad, nos lo venían diciendo
desde el principio de la serie, episodio a episodio..

Quizá el problema de Lost es que, si bien todos los referentes que he mencionado tienen muy claro su caracter minoritario, de culto, en ocasiones bizarro, en el caso de la serie de Abrams se la "han colado" habilmente a millones de personas que no verían ni atados uno de estos productos y que creían que lo que pasaba en Lost tenía una lógica "convencional"; quizá la "colada" ha sido al final demasiado suave, demasiado fácil, demasiado vendida a la audiencia y a los productores, pero no puedo por menos que admirar el espíritu de sus creadores por haberlo intentado, y a lo grande.

Cine oculto - Open range

2010-05-14T14:18:00.000+02:00

Open range fue estrenada hace ya unos añitos y pasó sin pena ni gloria, quizá porque su protagonista y director, Kevin Costner, no goza de mucho prestigio desde sus megalomaníacos batacazos de los 90, y porque el género al que pertenece no es muy popular en estos tiempos. Sin embargo, a pesar de sus "Costneradas", Open range me resulta una película muy disfrutable, y probablemente el mejor western desde Sin Perdón hasta nuestros días.

La película cuenta la historia de dos rudos vaqueros, el veterano Boss Spearman (Robert Duvall) y su socio el silencioso Charley Waite (Kevin Costner) Mientras trasladan su ganado a través de territorio abierto, uno de sus empleados, el grandullón Mose (Abraham Benrubi) protagoniza una pelea en la localidad de Harmonville y es arrestado por el sheriff Poole (James Russo) El arresto no es más que una treta del cacique local, Denton Baxter (Michael Gambon), que impone su ley a placer, para que los vaqueros no pasen por su territorio. Boss y Charley sacan a Moose de la carcel y lo llevan al médico de la zona, donde conocen a Sue Barlow (Annette Bening) por la que Charley se ve atraido.

Si dijese que el argumento de Open Range es original o que se trata de una película innovadora dentro del género estaría faltando a las verdaderas intenciones de su autor; y es que al rodar esta película Costner probablemente quería hacer un western como aquellos que él veía de pequeño, un "relato moral" a la antigua usanza con buenos, malos, peleas y tiros, todo narrado desde un punto de vista que idealiza de forma consciente el pasado y la vida libre del cowboy.

Open Range carece de la complejidad psicológica y los recovecos de los westerns de Mann, pero, a su manera, está transida de un cierto lirismo fordiano, casi como un remake inconfeso de Pasión de los fuertes: hay vaqueros conduciendo ganado, conversaciones de campamento bajo la lluvia, cowboys que se quitan gentilmente el sombrero ante las damas, o que conversan con cariño y afecto con su compañero muerto frente a su lápida, etc, etc, etc...

Si bien el argumento es más simple que un chupete y más visto que el tebeo, no es menos cierto que los personajes están muy bien escritos, y que la labor interpretativa del elenco actoral es más que notable y los hace muy interesantes y creibles. Lo peor a este nivel es el (tan "Costneriano") exceso de maniqueismo en el retrato de los mismos, llegando a incluir algunas conversaciones innecesarias para justificar las acciones violentas de sus protagonistas.

Cabe destacar que sus los dos actores principales, Robert Duvall y Kevin Costner, están inmensos en sus respectivos papeles; el primero se come la pantalla con su enorme carisma y el Costner realizador no solo le cede el primer puesto en los títulos de crédito, sino que le regala planos que en otro tiempo protagonizase gente como John Wayne; el segundo compone su atormentado personaje de forma minimalista, a base de reacciones y gestos, con una notable y encomiable contención.

La realización de la película también es muy destacable; a pesar de los puntuales excesos de sobreexposición digital, ralentíes y música, Open Range es una de las películas más hermosamente facturadas de los últimos tiempos; la planificación y el montaje a la antigua usanza, apoyados por una fotografía colorista y natural, crean una atmósfera clásica, perfectamente reconocible, que alcanza momentos de increible lirismo y belleza. Por contra, el (inevitable) tiroteo final está en su mayor parte rodado de forma magistral, con una sequedad que aúna modernidad con clasicismo con singular acierto; el único punto negro radica en su conclusión, que resulta un tanto sonrojante en comparación con la elegancia del desarrollo.

Así pues, pese a sus evidentes defectos y excesos, Open range demuestra que Costner tiene talento, y que si puliese un poco más su estilo podría competir con el mismísimo Clint Eastwood como paradigma de realizador clásico de gran fuerza lírica y dramática.

¿El manga conquista Hollywood? - parte 1

2010-05-11T21:35:00.002+02:00

La relación entre comic y cine es ya bastante antigua; al fin y al cabo, se trata de dos medios hermanos, casi paralelos, que han dominado gran parte de la cultura popular del siglo XX y que siguen pegando fuerte en esta primera década del XXI.

De hecho es en los últimos años cuando Hollywood ha adaptado más cómics que nunca; el negocio más rentable ha demostrado ser el de los superhéroes, que ya había sido anunciado a finales de los 70, con las exitosas adaptaciones de Superman, y continuó luego durante los 80 y 90 con Batman, hasta estallar en los últimos años con Spiderman, Iron Man, el nuevo Batman, Hulk, Los X-men, V de Vendetta, The watchmen, etc, etc, etc...

Pero no solo del cómic mayoritario vive el cine americano, también hemos tenido otros títulos basados en cómics menos conocidos, de contenido más adulto o con estatus de culto: Ghost world, Una historia de violencia, Camino a la perdición, American Splendor...

Por otro lado, en tierras niponas también es habitual la adaptación del manga al cine desde hace muchas décadas; la industria del cómic japonés es una de las más populares y poderosas del mundo; también su hermana gemela, la producción de dibujos animados (anime) se nutre del manga y viceversa con millones de fans a lo largo del globo.

No es de extrañar, pues, que ante el boom del anime y manga de los últimos años Hollywood halla puesto el ojo en el vasto terreno del anime y el manga japonés para realizar, en los próximos años, un aluvión de adaptaciones a la pantalla grande; las pioneras, con resultados desiguales o nefastos, han sido Bola de dragón (Dragonball Evolution, 2009) y Meteoro (Speed racer, 2008), pero se avecinan muchas otras:

Battle Angel
(James Cameron - 2011)

Uno de los primeros proyectos de este tipo del que se oyó hablar hace casi una década; al parecer Cameron y su equipo ya se han puesto en serio a escribir la adaptación del manga Alita, angel de combate (Yukito Kishiro, 1991-1995). Cameron no ha sido muy claro sobre el futuro de la película, aunque de realizarse será en 3D siguiendo la estela de Avatar. El primer borrador del guión es de Laeta Kalogridis, productora ejecutiva de Avatar y guionista de Alexander y Shutter Island.

Ghost in the shell

(¿Steven Spielberg? - 2011)

Los derechos del famoso comic de Masamune Shirow, llevado a la pantalla en forma de largometraje anime por Mamuro Oshii (Ghost in the shell, 1995 - Inocence, 2004 - Ghost in the shell 2.0, 2008) y como serie de TV tambien animada por Kenji Kamiyama (GITS: Stand Alone Complex, 2002 - GITS: Stand Alone Complex 2cond GIG, 2005- GITS: Solid State Society, 2006) ha caido en manos de Steven Spielberg, aunque no se sabe aún que tipo de producción será ni quien estará tras las cámaras. El guión también está siendo escrito por Laeta Kalogridis.

Monster

New Line Cinema se ha hecho con los derechos del manga de Naoki Urasawa (más información aquí) El encargado del primer borrador del guión es Josh Olson, guionista de Una historia de violencia. La noticia tiene varios años y aún no se sabe mucho del proyecto.

Robotech

(2012)

Robotech (Robotech, 1985) fue un remontaje americano de varias series de anime japonesas (The Super Dimension Fortress Macross, 1982 - Super Dimensional Cavalry Southern Cross, 1984 - Genesis Climber Mospeada - 1983) Tobey McGuire, famoso por interpretar a Spiderman en la reciente trilogía dirigida por Sam Raimi, producirá y protagonizará la versión cinematográfica en cuyo guión han participado el misterioso Craig Zahler y el veterano Lawrence Kasdan (El imperio contrataca, En busca del arca perdida, Fuego en el cuerpo, Silverado). Todavía no se conocen datos de producción.

Cowboy Bebop

(2012)

El productor Erwin Stoff compró los derechos de esta famosa serie de TV animada (Cowboy Bebop, 1998, de Shinichirô Watanabe) para ser protagonizada por Keanu Reeves, estrella de otras de sus películas (Constantine, Ultimatum a la Tierra).

Se estrena este verano la mejor película del universo... el cine no volverá a ser igual

2010-05-04T11:02:00.000+02:00

Se viene hablando ya desde hace años de este proyecto que por fin podremos disfrutar este verano: Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Mickey Rourke, Danny Trejo, Arnols Schwarzenegger, Bruce Willis y muchos otros reunidos por Sylvester Stallone en una misma película... tal acumulación de
estosterona y botox puede causar un cataclismo cinematográfico de proporciones bíblicas.

¡¡¡¡¡Que llegue el
verano ya por dios!!!!!

Mientras tanto, podemos deleitarnos con el trailer y una bonita recopilación de las fotos que andan por la web:

Don Siegel - retrospectiva en San Sebastian

2010-04-27T12:53:00.000+02:00

Considerado antiguamente como uno de los autores menores de la llamada generación de la violencia, su nombre se ha agigantado en los útlimos años, quizá por la revalorización de su "discípulo" Clint Eastwood, aunque en honor a la justicia, Siegel se merecía la revalorización por si solo.

Don Siegel empezó a trabajar en el Hollywood dorado, como montador (trabajó en varias películas de Raoul Walsh como Los violentos años 20, Gentleman Jim o Murieron con las botas puestas), y pronto pasó a dirigir cortometrajes, películas de género de bajo presupuesto y más tarde series televisivas; entre finales de los 40 y principios de los 50 empezó a forjar su estilo, directo, seco, muy físico, sin alaracas, perfecto para westerns, películas de guerra y thrillers. En esta época trabajó como "mandao" con estrellas incipientes como Robert Mitchum y secundarios y estrellas de la serie B o de capa caida: Audie Murphy, Mickey Rooney, Ida Lupino, Cornell Wilde... Ya en los 50 nos encontramos con títulos estimables como Riot in cellblock 11 (1954), Crime in the streets (1956), The line up (1958) o Baby Face Nelson (1957), y con una obra maestra del fantástico, La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the body snatchers, 1956).

A principios de los 60 Siegel parece quedarse estancado en el mundo de la televisión o en trabajos de encargo para estrellas musicales (Elvis Presley, Fabian, Frankie Avalon), aunque tiene tiempo para contribuir al incipiente estrellato de Steve McQueen con una excelente película bélica, Comando (Hell is for heroes, 1962). Su labor televisiva alcanza lo sobresaliente a mitad de década con Código del hampa (The killers, 1964), versión libre sobre el relato The killers de Hemingway que termina estrenándose en cines; a finales de los 60 Siegel sigue siendo un director de bajo presupuesto, aunque ya dentro de los parámetros de la serie A; rueda un buen thriller urbano que es la semilla para casi todas las películas de polis que vendrían después y originaría una serie televisiva de idéntico título, Brigada homicida (Madigan, 1967), y empieza su fructífera colaboración con Clint Eastwood.

Los dos primeros títulos de la pareja, La jungla humana (Coogan's bluff, 1968) y Dos mulas y una mujer (Two mules for sister Sara, 1970) son los más flojos, pero a principios de los 70 empiezan a brillar con obras ambiciosas y sorprendentes como El seductor (The beguiled, 1971) y excelentes thrillers de gran acogida comercial como Harry el sucio (Dirty Harry, 1971) y Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz, 1979). Siegel nos regala otras dos excelentes películas en esta época, El último pistolero (The shootist, 1976) y La gran estafa (Charley Varrick, 1973), y otros títulos menos interesantes como Teléfono (Telefon, 1977) y El molino negro (The black windmill, 1974).

Sus últimas películas ya en la década de los 80, poco antes de morir, no las he visto, pero tienen pinta de ser poco interesantes.

Mis "imprescindibles" de Siegel:

La invasión de los ladrones de cuerpos
(Invasion of the body snatchers, 1956)

Todo un clasicazo del fantástico, el epítome del cine paranoico de la guerra fria, aunque su grandeza admite todas las interpretaciones posibles, desde fábula anti-comunista hasta fábula sobre los peligros del capitalismo. Siegel impone a la película un tempo de thriller con un final de ritmo endemoniado.

Comando
(Hell is for heroes, 1962)

Una película bélica de poco presupuesto que supera ampliamente en realismo y veracidad a a los mastodontes panfletarios de su época; sucia, densa, no se puede contar más y mejor en menos tiempo. Aparece uno de los secundarios típicos de Siegel, Harry Guardino.

Código del hampa
(The killers, 1964)

A pesar de sus limitaciones televisivas, se trata de un noir estilizado y estremadamente cool que saca petróleo de su incisivo guión y de la formidable y carismática presencia de Lee Marvin.

Brigada homicida
(Madigan, 1967)

Madigan, el poli interpretado por el veterano Richard Widmark, es el antepasado directo de Harry el sucio, aunque todavía se encuentra en una línea más clásica del género. Se trata de un thriller modélico que destaca por su ritmo y su excelente empleo del decorado urbano, que anunciaba nuevas tendencias.

El seductor
(The beguiled, 1971)

Un cuento moral (o amoral) de una negrura indescriptible, acerca de la seducción, las relaciones entre hombres y mujeres y los deseos ocultos en las sociedades cerradas... Si llega a estar ambientada en Suecia y con Max Von Sydow en vez de Clint Eastwood, sería de las mejores de Bergman.

Harry el sucio (Dirty Harry, 1971)

Si mezclamos al anteriormente mencionado Madigan con el poli-cowboy de La jungla humana y le añadimos más mala leche y cinismo, nos sale Harry el sucio. Un pedazo de thriller que marcó toda una época, que convirtió por fin a Eastwood en estrella indiscutible de los USA y que sigue dando sopa con ondas a muchas pelis de polis posteriores.

La gran estafa
(Charley Varrick, 1973)

Excelente film noir sobre robos y profesionales del medio con un magnífico Walter Mattau como protagonista. Como es habitual, el cinismo aparece en cada fotograma y el aspecto entre lo seco y lo estilizado, unidos a las réplicas ingeniosas, la hacen tan cool o más que cualquier Tarantino.

El último pistolero
(The shootist, 1976)

Canto de cisne de John Wayne, Siegel le regala al Duke una película poética, melancólica e inolvidable sobre el final del género. Uno de los mejores westerns crepusculares, rematado por la presencia de grandes secundarios.

Fuga de Alcatraz
(Escape from Alcatraz, 1979)

Película modélica sobre fugas de cárceles que enfrenta a Eastwood (el preso) con Patrick McGoohan (el alcaide), bordeando todos los tópicos y manejándolos como nadie.

Más información sobre la restrospectiva en el Festival de San Sebastián, aquí.

Monster de Naoki Urasawa

2010-04-22T14:09:00.002+02:00

Y yo me paré sobre la arena del mar, y vi una bestia emerger del mar, que tenía siete cabezas y diez cuernos; y sobre sus cuernos diez diademas; y sobre las cabezas de ella nombre de blasfemia. (...) Y adorarón al dragón que había dado la potestad a la bestia, y adorarón a la bestia, diciendo: "¿Quién es semejante a la bestia, y quién podrá lidiar con ella?"

Apocalipsis según San Juan, capítulo 13, versículos 1-4

En 1983, antes de la caída del muro, el jóven y brillante cirujano japonés Kenzo Tenma se encuentra en una posición de privilegio dentro de un importante hospital alemán; prometido con la hija del director, Tenma es el encargado de las operaciones más difíciles y peligrosas. Sin embargo, la política interna del hospital causa a Tenma un gran quebradero de cabeza: los enfermos no son atendidos en orden de llegada, sino por su importancia social y la publicidad y prestigio que puedan proporcionar a la institución. Por si fuera poco, el director del hospital lo utiliza vilmente a través de su hija para escribir todas sus conferencias y arrebatarle la autoría de las mismas.

En un momento dado, Tenma se encuentra ante una terrible encrucijada: en una noche de urgencias se presentan dos casos extremos, el de Johan Liebhart, un niño de 9 años herido de bala, hijo de dos exiliados de la Alemania del este que han sido asesinados ese mismo día, y el de un influyente político que ha sufrido una trombosis. Desoyendo las órdenes del director, Tenma decide operar al niño, que ha entrado antes en el hospital y le salva la vida, pero el político muere poco después a consecuencia de una operación poco afortunada por parte de otros cirujanos.

Tenma cae entonces en desgracia: la hija del director le abandona y este le destituye como cirujano jefe, relegándole a los puestos más bajos y sentenciando su carrera de por vida. Tenma, sumido en la desesperación, se emborracha y se tambalea por las calles, deseando que el director del hospital y toda su cohorte de aduladores desaparezcan de la faz de la tierra... Al día siguiente, la policía lo despierta de la resaca para darle una insólita noticia: el director y varios de sus colaboradores han muerto envenenados, y Johan y su hermana gemela, Anna, ilesa pero convalenciente en estado de shock, han desaparecido.

La nueva junta directiva devuelve a Tenma a su antiguo puesto, pero este, escarmentado de la experiencia, decide no meterse en la política interna de la institución y hacer caso a lo que dicta su conciencia y su profesionalidad como médico. Durante una década Tenma ejerce en el hospital y su prestigio y popularidad entre pacientes y compañeros se hace inmensa. Pero un día reaparecen los fantasmas: nuevos y extraños asesinatos empiezan a sucederse a su alrededor y Tenma se convierte en el sospechoso número uno de la policía para los crímenes presentes y pasados.

Sin embargo el causante de tanta maldad es Johan, el niño al que Tenma salvó la vida y que ahora es un atractivo jóven de 18 años convertido en un perfecto psicópata con una inconcebible capacidad para manipular, engañar, destruir y matar. Tenma toma entonces la decisión más terrible de su vida: él es el responsable de la existencia de este monstruo, y él mismo debe acabar con ella.

Este es el complejo punto de partida de uno de los títulos imprescindibles de la historia del cómic, publicado originalmente en Japón entre 1994 y 2001 y reeditado con éxito numerosas veces hasta nuestros días, una obra que ha elevado a su autor, Naoki Urasawa, a los altares del manga, hasta ser comparado en algunas ocasiones con el mismísimo Osamu Tezuka, padre espiritual del medio.

Lo cierto es que Monster es un triunfo en todos los sentidos; el estilo visual de Urasawa es impecable, sus personajes están vivos y son perfectamente reconocibles, y la narración secuenciada es casi perfecta, con un estilo muy clásico que hace uso del enfatismo tan habitual en el manga en muy contadas ocasiones; aparte de esto, el guión es de una perfección tan milimétrica que, a pesar de la multitud de personajes y giros argumentales, es capaz de mantener al lector perfectamente informado y al mismo tiempo en continuo estado de suspense.

El argumento parece de alguna forma inspirado en la famosa serie americana de TV, El fugitivo, donde el doctor Kimble huía de la policía acusado de haber matado a su mujer buscando al verdadero asesino; pero si bien en un principio el doctor Tenma parece el protagonista absoluto de esta historia, según van avanzando las páginas el protagonismo va pasando de un personaje a otro, todos ellos girando en torno al misterio del monstruo, Johan, cuya personalidad, pasado e intenciones se van desvelando poco a poco en una espiral absorbente. Así nos encontramos a una multitud de personajes increiblemente retratados (aunque en algunas contadas ocasiones caen en cierto sentimentalismo y moralismo muy japoneses), todos ellos con sus virtudes y defectos, enfrentados a dilemas morales cotidianos y no tan cotidianos a causa de la presencia del monstruo que, de forma directa o indirecta, siembra su oscura semilla en el devenir de sus vidas.

El retrato de Johan es precisamente uno de los puntos más fuertes de esta obra, un perfecto psicópata que cuenta con las características más terriblemente reales que caracterizan este tipo de personalidades: la capacidad para el engaño, para hacerse pasar por una buena persona, para hacer que el resto de gente que le rodea sospechen unos de otros y terminen enfrentándose. Al psicópata siempre le protege el hecho de que quienes le rodean ni siquiera son capaces de concebir sus parámetros mentales, ni de pensar que pueda existir alguien a su lado que, cuanto más amable y maravilloso y gentil es con ellos, más desea su destrucción.

Evidentemente, todas estas características están noveladas y llevadas al extremo, de manera que Johan se convierte en un digno heredero del doctor Mabuse y otros villanos de Lang; de hecho gran parte de la historia hubiera hecho las delicias del famoso director alemán, puesto que parece, por momentos, una puesta al día de sus célebres seriales de espías que tan poco gustaron al partido nacional socialista cuando este alcanzó el poder.

Urasawa toca en este comic temas tristemente eternos de la vieja Europa, que también analizase Lang destando las iras de los nazis entonces: los monstruos viven entre nosotros, se esconden en oscuras organizaciones de extrema derecha, tras fachadas políticas, económicas y sociales respetables; en Monster podemos encontrar una variedad alucinante de comportamientos monstruosos que Urasawa separa hábilmente de la simple miseria del ser humano: toda su simpatía se vuelca hacia la gente con problemas, ya sean desordenes psciológicos, borrachos, putas, criminales de poca monta y demás, señalando con el dedo a quienes son los verdaderamente peligrosos: aquellos que ansían un poder supremo, que manejan las vidas de quienes les rodean a su antojo, que manipulan, chantajean, coaccionan, compran y venden almas, todo ello haciéndose pasar por individuos respetables y de moral impoluta. No es extraño pues que Johan, como tantos otros monstruos tristemente de actualidad, se aparezca habitualmente rodeado de niños como si fuese un protector y benefactor de la infancia.

La última reedición de Monster, actualmente en librerías, se presenta en 9 gruesos tomos cuyas portadas forma un mosaico que da pistas sobre el devenir de la historia:

También existe una competente adaptación televisiva en ánime, que, si bien no aporta nada nuevo con respecto al cómic puesto que es una adaptación fiel casi viñeta a viñeta, es una alternativa interesante para disfrutar de esta apasionante obra.

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En los últimos tiempos Hollywood ha comprado los derechos de numerosos mangas y animes con la intención de adaptarlos a largometrajes; la labor de adaptar Monster ha caido en manos de Josh Olson, que ya adaptase otro cómic comprometido con buen resultado (Una historia de violencia, 2005, de David Cronenberg) Veamos que sale de esto...

Centenario de Akira Kurosawa - parte 3

2010-04-08T13:23:00.000+02:00

Los remakes - Los siete samurais

Esta famosa película de aventuras (de la que hice una pequeña reseña aquí) es la obra de Kurosawa que más veces ha sido "remakeada". El primer remake, y probablemente el mejor, fue un vibrante western de John Sturges, Los siete magníficos; Yul Brynner, el protagonista de la cinta, se interesó por la película de Kurosawa cuando esta fue estrenada en los USA con bastante éxito en el mundillo cinematográfico, y propuso el remake al productor Walter Mirish de United Artist.

Sin embargo, los derechos habían sido adquiridos previamente por Anthony Quinn(*), que pretendía rodarla con Martin Ritt de director y Walter Bernstein de guionista; el script de Bernstein transformaba a los samurais originales en siete veteranos de la guerra civil. Al final Ritt y Quinn se aperon del proyecto y los productores se decantaron por la opción de Brynner, entrando John Sturges como director y Walter Newman como guionista, que convirtió a los samurais en pistoleros mercenarios; debido a ciertos problemas con los censores mejicanos, que consideraban que el papel de sus compatriotas en la película no era muy adecuado, Newman decidió que su nombre no apareciese en los títulos de crédito en favor de William Roberts, que dió la versión definitiva al guión.

El resultado fue del agrado de Kurosawa, que regaló una katana a John Sturges, y dio pie a una larga serie de películas donde los magníficos volvían una y otra vez reunidos por Chris Adams, que fue interpretado por Brynner en dos ocasiones y posteriormente por George Kennedy y Lee Van Cleeft. La influencia de este western se hizo notable en el género y le salieron imitadores por todas partes; de alguna manera, es también decisiva para el desarrollo del spaghetti western, siendo uno de los referentes de Leone al rodar su propio remake de Kurosawa, Por un puñado de dólares, anteriormente comentada.

La película cuenta con muchos otros remakes:

Los siete magníficos del espacio, también conocida como Batalla más allá de las estrellas (Battle beyond the stars, de Jimmy T. Murakami, 1980)
The magnificent seven (Serie de TV, 1998)
Bugs (A bugs life, John Lasseter y Andrew Staunton, 1998)
Samurai 7 (Serie de TV, 2004)

E incluso hay un nuevo remake preparado para 2011, producido por The Weinstein Company, escrito por John Fusco y probablemente interpretado por George Clooney y Zhang Ziyi. A ver que sale de ahí...

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Aquí os dejo un interesante documental en 2 partes sobre la influencia y las influencias de Kurosawa, que cuenta con la participación de numerosos cineastas:

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(*) Curiosamente, hay cierto parecido físico entre Anthony Quinn y Toshiro Mifune, protagonista de Los siete samurais:

Cine oculto - Perros rabiosos

2010-04-05T18:56:00.000+02:00

Perros rabiosos (Cani arrabbiati, 1974) es una película de Mario Bava que, a lo largo del tiempo, se ha presentado en muy diversos montajes y remontajes, hecho provocado por los numerosos avatares de su producción y distribución; a principios de los 70 Bava atravesaba muchos baches económicos y estaba muy poco valorado, de manera que la financiación de esta película se hizo de forma pobre e irregular, y, por si fuera poco, fue prohibida su distribución por diversos impagos; la película permaneció en el olvido durante años y luego fue estrenada con diversos nombres, (Kidnapped, Rabid dogs, Semaforo rosso) dándose como definitiva la versión restaurada en 2002 gracias al esfuerzo de una de las protagonistas de la cinta, Lea Lander.

Bava había intentado adaptarse a los nuevos tiempos dentro del cine de terror e incluso había tocado otros géneros como el western o la comedia, pero su caché era cada vez más bajo y las producciones en las que participaba, de menor enjundia y más maltratadas por los productores. Con Cane arrabbiati pretendía dar un giro de 180 grados pasándose al thriller tan en voga en la Italia de los 70, pero eludiendo el trasfondo político y el protagonismo policial típico del poliziesco.

La historia comienza con los prolegómenos de un atraco; cuatro hombres enmascarados se dirigen en coche a las oficinas de una farmacéutica para robar la paga de los empleados, y tras obtener la maleta llena de dinero, se desata un tiroteo que da como resultado la muerte de su conductor. Los tres supervivientes -el jefe del grupo, alias "Doctor"(Maurice Polli), y los brutales "Bisturí" (Don Backy) y "Treintaydos" (George Eastman) - son perseguidos por la policía hasta que toman a una mujer como rehén (Lea Lander); amenazando a la mujer a punta de navaja, consiguen detener un coche y meterse en él.

Riccardo, el conductor del coche (Riccardo Cucciolla) se convierte también en su rehén, pero, por si fuera poco, añade un problema más: en el interior del coche hay un niño sedado que hay que llevar inmediatamente al hospital. A punta de pistola, Riccardo es obligado a sacar a los atracadores de la ciudad para llegar a un misterioso punto de encuentro.

Perros rabiosos está ambientada en un entorno urbano, pero lo cierto es que está más emparentada con el western que con el thriller; de hecho, el esquema argumental es muy similar al de los famosos westerns psicológicos de Budd Boetticher protagonizados por Randolph Scott: el "héroe" de la función (Riccardo) se ve involucrado en una situación límite con un grupo de matones, liderados por un jefe carismático ("Doctor") con el que acaba congeniando. El espiritu de la película, su violencia y crueldad y su descripción demoledora de los personajes la acerca también al cine de Sam Peckinpah y a sus típicos outsiders contracorriente huyendo hacia ninguna parte.

No se puede decir precisamente que Cani arrabbiatti sea una película de una factura impecable, muy al contrario es una película abrupta, sucia, rodada con una cámara nerviosa y un montaje cortante, casi como el trabajo de un estudiante de cine con muy poco dinero pero con un descomunal talento para el encuadre, la puesta en escena, la sugestión y el suspense; casi la mitad de la película se desarrolla en el claustrofóbico escenario del interior del coche, donde las miradas y gestos de sus tripulantes, captados con singular acierto por Bava, establecen un fascinante juego psicológico de poder y humillación entre ellos.

Los actores que los interpretan no son grandes figuras, pero cumplen a la perfección con sus papeles, dotándolos de extraños matices; los "buenos" de la función (Riccardo Cucciola y Lea Lander) a menudo son apáticos, cobardes o estoicos; los dos matones (Don Backy y George Eastman) son brutales y violentos, aunque están unidos por un extraño código de amistad muy peckinpahniano; el jefe de la banda (Maurice Polli) aparenta ser el más inteligente y carismático de todos los personajes que viajan en el coche.

Si bien Cani arrabbiati no es una obra redonda, es una película realmente interesante y a menudo brillante, no apta para todos los paladares por su crueldad extrema y su suciedad, pero absolutamente ejemplar sobre como aprovechar al máximo una sencilla premisa; Bava no se merecía el ostracismo.

Cine oculto - Los contrabandistas de Moonfleet

2010-04-02T16:08:00.000+02:00

"La verdadera patria del hombre es la infancia."
Rainer Maria Rilke

Hago mía a menudo estra frase de Rilke, sobre todo cuando una obra artística es capaz de transportarme a ese territorio melancólico, soñado, tan lleno de emociones intensas y puras como de oscuridad y misterio, que es la infancia; precisamente esta capacidad de regresión al punto de vista infantil también hace difícil que cualquier reflexión sobre una obra de estas características sea objetiva... aunque, en realidad, toda crítica cinematográfica es opinión, igual que toda crónica periodística es literatura.

Los contrabandistas de Moonfleet (Moonfleet, 1955) es una obra con categoría de menor dentro de la filmografía de Fritz Lang, tan menor que en su tiempo pasó sin pena ni gloria, y sus autores no la tenían en mucha estima dados los avatares de su producción y su corto presupuesto. Sin embargo fue estrenada, con retraso, en 1960 en Francia, y la sesuda crítica del momento la consideró una obra maestra y una de las mejores películas del año.

No puedo disentir con estos críticos; Los contrabandistas de Moonfleet me parece una obra maestra, una de las películas de aventuras más tristes y pesarosas sobre la condición infantil que jamás se han rodado, emparentada de alguna manera con esa otra obra maestra que es El viento en las velas de Alexander Mckendrick (A high wind in Jamaica, 1965) con la que guarda numerosas similitudes de fondo.

La historia está ambientada a mediados del siglo XVIII; John Mohune (John Whiteley) es un niño huérfano que vuelve a la localidad de Moonfleet, en la costa británica, para solicitar el asilo de Jeremy Fox (Stewart Granger), custodio de las propiedades de los Mohune, caidos en desgracia años atrás. Fox es un caballero de modales exquisitos y vida disipada que tuvo un romance años atrás con la madre del muchacho; aunque al principio es reticente a cuidar del niño, al final acaba adoptándolo como pupilo, lo que pone en peligro sus negocios ilegales como contrabandista y sus habituales juergas nocturnas con los decadentes Ashwood (George Sanders y Joan Greenwood).

Como simple película de aventuras, Los contrabandistas de Moonfleet funciona como un reloj: en apenas hora y media ocurre de todo: hay tiroteos, peleas con arma blanca, grutas ocultas, tesoros escondidos, etc... La colorista ambientación artificial en estudio, las amplias composiciones propias del primer cinemascope, los peculiares secundarios feos y mugrientos y los abundantes detalles macabros dotan a la película de una extraña atmósfera de horror gótico, cercana a las producciones de la Hammer y del ciclo Poe de Corman: todo está mostrado desde un punto de vista infantil, lírico, donde el pasado se hace presente a través de estatuas que parecen cobrar vida y muertos inquietos en sus tumbas.

Por otro lado, aunque al parecer nunca estuvo muy contento con esta película, Stewart Granger hace probablemente el mejor papel de su carrera, parecido solo en la apostura a otros de sus héroes de capa y espada. Jeremy Fox es un ser cínico e inmoral que no duda en traicionar, seducir y matar, pero al que la presencia del joven Mohune (probablemente su hijo) afecta sensiblemente, como una imagen de la inocencia que él mismo perdió tantos años atrás en una aciaga noche en la ahora abandonada mansión de los Mohune; una inocencia que, a pesar de suponer una amenaza para su forma de vida, siente la inexplicable necesidad de proteger, porque, como decía un personaje en Grupo salvaje, "Todos deseamos volver a ser niños, inlcuso los peores de nosotros... Quizá los peores lo desean más que nadie."

El chaval John Whiteley interpreta su personaje con convicción, con una flema muy inglesa pero sorteando lo repelente con habilidad gracias a la naturalidad de sus reacciones en las escenas más comprometidas. Sus escenas con Granger tienen cierta química, quedando muy bien descrita la extraña relación paterno-filial que se desarrolla entre ellos.

El resto del reparto no brilla en exceso, aunque todos cumplen con solvencia; destaca la siempre reconfortante presencia de esa especie de Oscar Wilde cinematográfico que fue George Sanders y la de la atractiva Joan Greenwood como los decadentes Lord y Lady Ashwood (cuya mansión aparece retratada con una fotografía que intenta adelantarse, a pesar de la típica sobreiluminación de la época, a la de Barry Lyndon, como si hubiese sido rodada a la luz de las velas)

Cabe destacar, por último, la maravillosa partitura de Miklos Rozsa inspirada en temas marineros, que subraya el aire aventurero y melancólico de la película:

Centenario de Akira Kurosawa - parte 2

2010-03-30T11:24:00.001+02:00

El efecto Rashomon

Se denomina así a una técnica de escritura de guión donde un mismo hecho es narrado de forma diferente por varios personajes, haciendo hincapié en como la subjetividad del juicio de cada uno de ellos modifica la percepción de la historia, siendo incapaz el espectador de reconocer cual es la versión oficial o verdadera del hecho narrado. Rashomon (Rashomon, 1950) es una película de Akira Kurosawa inspirada en dos relatos de Ryonosuke Akutagawa donde ya estaba presente el punto de vista múltiple; el realizador nipón y sus colaboradores pulieron el concepto para su versión cinematográfica a base de una intrincada maraña de flashbacks.

Rashomon fue una de las primeras películas en conseguir un oscar honorífico a la mejor película extranjera y abrió las puertas internacionales al cine japonés; inmediatamente después de su estreno tuvo diversos remakes teatrales, televisivos y cinematográficos en los estados unidos donde fue acuñado el término de "efecto Rashomon". A día de hoy es patente su influencia en varios guiones de Tarantino o Iñarritu.

Los remakes - La guerra de las galaxias

Este es un hecho más o menos conocido, que Star Wars es un remake espacial de La fortaleza escondida (Kakushi toride no san akunin, 1958), una famosa película de samurais de la que ya hablé aquí. Las similitudes no son solo temáticas, sino también estilísticas.

He encontrado estos dos videos que hacen notables comparativas entre ambas películas:

Los remakes - Por un puñado de dólares

Sergio Leone se hizo famoso en todo el mundo a principios de los años 60 con Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964), un western rodado y producido en Italia y protagonizado por una actor televisivo que se convirtió en estrella en pocos años, Clint Eastwood. El filme de Leone era un remake más que evidente de Yojimbo (1961), de Akira Kurosawa, una modélica película de samurais que había creado todo un nuevo subgénero (también la comenté aquí)

A parte de la disputa legal entre productoras, lo cierto es que la película de Leone fue el espaldarazo definitivo para el spaghetti western y la influencia temática y estilística de Kurosawa fue decisiva para ello, y buena muestra son estas dos secuancias gemelas:

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En breve una tercera parte de las influencias de Kurosawa, con más remakes comentados y otros detalles interesantes.

Cine oculto - Río de sangre

2010-03-29T18:04:00.000+02:00

Río de sangre (The big sky, 1952) - una de esas traducciones libres y poéticas que tanto se llevaban en los años 50 en nuestro país - es un western relativamente desconocido de Howard Hawks que narra las aventuras de unos comerciantes a lo largo del Missouri en los albores del siglo XIX.

Jim Deakins (Kirk Douglas) y Boone Caudill (Dewey Martin) son dos jóvenes que se unen a un grupo de comerciantes franceses liderado por 'Frenchy' Jourdonnais (Steven Geray) que pretende subir el Missouri para comerciar con la tribu de los Pies Negros. Junto a ellos viaja el tio de Boone, Zeb Calloway (Arthur Hunnicut), un veterano explorador y cazador de la zona que conoce bien a las tribus locales, y la hermosa Ojo de Cerceta (Elizabeth Threatt), princesa de los Pies Negros, que fue caputrada de niña, y a la que Frenchy quiere devolver a su padre como muestra de buena voluntad.

Sin embargo el comercio con las tribus indias está siendo monopolizado por una única compañía que mantiene varios fuertes a lo largo del rio; a bordo del Mandan, un barco de remos cargado de mantas, whisky y otra serie de productos para cambiar por pieles, los comerciantes tendrán que atravesar una gran franja de terreno intentando despistar a la compañía y superando mil y un avatares que les depara la naturaleza.

Rio de sangre aparece en algunos sitios catalogada como obra menor de Hawks, pero lo cierto es que no tiene nada de menor ni en sus proporciones (la versión extendida se acerca a las 2 horas y 20 minutos), ni en sus ambiciones, ni en sus resultados artísticos. Quizá el caracter episódico de esta película la aleja de la perfección narrativa de Rio rojo o Rio bravo, pero se trata de una película emocionante y hermosa, netamente superior a El dorado o Rio lobo (aún así dos westerns notables y tremendamente entretenidos)

Rio de sangre es quizá la película más fordiana de Hawks; no obstante su guionista es Dudley Nichols, colaborador habitual de Ford (La diligencia, El fugitivo,Judge Priest, El delator) El argumento nos presenta a un típico grupo de héroes hawskianos, borrachines, pendencieros, brutotes y simpáticos, pero hay cierta melancolía muy fordiana que imprega sus actitudes, sus conversaciones íntimas o las baladas frente a la hoguera; el hecho de que no halla unos protagonistas absolutos y los secundarios tomen el protagonismo a menudo, o el tratamiento noble e incluso admirado hacia los indios también recuerda vivamente a las películas de Ford.

Esta película de Hawks, a parte de ser una muy entretenida aventura a la vieja usanza, es todo un canto a la libertad, a la naturaleza y al respeto y la honestidad entre humanos, conceptos que se expresan con una reconfortante (y a veces salvaje) naturalidad alejada por completo del buenrrollismo y la corrección política; en Rio de sangre los personajes se pelean, se reconcilian, sufren, se divierten, se matan unos a otros, se emborrachan, pero, quizá exceptuando a los avariciosos miembros de la compañía que monopoliza el trayecto por el Missouri, ninguno es presentado como esencialmente malvado, y siempre hay vías para el entendimiento.

Es curioso que, siendo Kirk Douglas la única estrella de la película, su personaje no sea precisamente un héroe imbatible; muy al contrario, es un tanto borrachín, torpe en ocasiones, es herido y salvado por su compañero (un Dewey Martin no muy carismático pero solvente) Un inmenso Arthur Hunnicut les roba la función a menudo a los dos jóvenes con su papel del veterano Zeb Calloway, un trampero que se ve entre dos mundos: ama la forma de vida libre de los indios y a menudo vive y caza con ellos, pero a veces echa de menos las costumbres del hombre blanco. Cada diálogo del tio Zeb es una lección de humanidad y sabiduría, y un aviso para sus jóvenes pupilos para que no cometan los mismos errores que él.

No menos atractivos resultan los dos indios que acompañan al grupo, la noble Ojo de Cerceta, interpretada en su único papel en el cine por una hermosa y expresiva actriz cherokee, Elizabeth Threatt, y el simpático Pobre Diablo, un indio borrachín y aparentemente un poco loco que sin embargo es un gran explorador y cazador, interpretado por un inusual y divertido Hank Worden (también habitual de Ford).

Ojo de Cerceta representa la integridad y nobleza de los indios: es una mujer fuerte, valiente y decidida, capaz de defenderse por si sola o de ayudar a sus compañeros en momentos de peligro; por otro lado, Pobre Diablo es la contrapartida india del tio Zeb y de los colonos franceses, individuos en tierra de nadie, intentando sobrevivir y ahogando a menudo sus penas en alcohol. Pobre Diablo no comienza la aventura de inicio, pero en cuanto es encontrado a medio camino, vagando solo, se establece una conexión clara e inmediata de reconocimiento entre iguales, y es admitido sin problemas en el grupo.

Hawks dirije la película con un pulso narrativo casi perfecto, alternando los avatares del trayecto y las escenas de acción con escenas de camaradería y conversaciones íntimas; especialmente memorable es la secuencia en que deben cortar el dedo infectado de Kirk Douglas, que Hawks transforma en una hilarante set piece llena de humor negro, con todos los aventureros borrachos buscando el miembro amputado en la oscuridad del campamento nocturno.

El título original de Rio de sangre, The big sky (el gran cielo) es muy significativo del espíritu de la obra, que consigue transmitirnos la sensación de seres humanos que, por pura lógica de supervivencia y humanidad, terminan por ayudarse, entenderse y respetarse, más allá de la procedencia, el idioma o la raza, empequeñecidos todos bajo un inmenso cielo y la grandeza del escenario natural. Maravillosa película.

Centenario de Akira Kurosawa - parte 1

2010-03-25T11:02:00.000+01:00

Este año se cumple el centenario del nacimiento de Akira Kurosawa, uno de los directores más famosos de la segunda mitad del siglo XX; cineastas como Francis Ford Coppola, Sergio Leone, Sam Peckinpah, George Lucas, John Milius y un largo etcétera recalcaron en ocasiones su admiración hacia él y la enorme influencia que el director nipón tuvo en sus películas.

Kurosawa con Coppola

Se ha hablado mucho sobre la obra de Kurosawa, pero pocas veces se ha estudiado a fondo porqué su influencia es tan notable; no pretendo hacer un estudio exhaustivo, pero si comentar algunos rasgos estilísticos propios del realizador japonés que han sido imitados y homenajeados hasta convertirse en parte del lenguaje cinematográfico actual.

Kurosawa con Coppola y Lucas

Ralentí - cámara lenta

Kurosawa no fue el primero en emplear la cámara lenta, pero si fue uno de los pioneros en darle el uso que todos conocemos para dotar a las escenas de acción de cierta sensación de hiperrealidad. El ralentí era habitual en algunos documentales ya desde el cine mudo, o para el rodaje de secuencias con miniaturas y maquetas; algunos westerns primigenios incluían secuencias a cámara lenta para mostrar la habilidad de los cowboys con el revólver, y se había usado también en algún número musical o para dar caracter onírico a alguna escena.

Kurosawa empleó planos a cámara lenta para aumentar el efecto dramático de las acciones violentas de sus personajes; en La leyenda del gran Judo (Sugata Sanshiro, 1943) había una secuencia en que un personaje era lanzado con una llave de judo contra la pared del dojo; su caida al suelo, entre maderas sueltas y paneles rotos, se mostraba a cámara lenta, aumentando la sensación de haber recibido un golpe brutal.

En Los siete samurais (Sichinin no samurai, 1954) había un ralentí que se hizo muy famoso, para mostrar como caía un enemigo al recibir un tajo mortal de katana.

(puede apreciarse el efecto, a pesar de la mala calidad de imagen)

Muchos realizadores americanos criados en los albores de la televisión (años 50) quedaron fascinados por este efecto y lo emplearon en sus películas; por ejemplo, Arthur Penn en El zurdo (The left handed gun, 1958) y Sam Peckinpah de forma masiva en Grupo salvaje (The wild bunch, 1969) Desde entonces hasta nuestros días es un recurso habitual del cine de acción.

Cámara al hombro - montaje en corto

Aunque Kurosawa es famoso por la milimétrica composición de sus planos largos, también fue un maestro del plano corto y el montaje sincopado; Kurosawa se había criado viendo mucho cine mudo y a menudo recurría a estos referentes, en este caso, el cine ruso de los años 20 donde se experimentaba con este tipo de montaje.

Para las escaramuzas de Los siete samurais estableció un esquema inusual: distribuyó a varios equipos por el decorado en exteriores, unos con cámaras fijas y otros con cámaras al hombro y planificó el rodaje como si fuese un documental; después montó el material quedándose con las mejores tomas de cada equipo, con planos de muy corta duración. Como resultado obtuvo unas escenas de acción tumultuosas, rápidas, confusas y con bastante aire de realismo; esta forma de rodar y montar secuencias de acción es a día de hoy casi un estándar.

(lamentablemente, no he encontrado la secuencia en su versión original)

Blood spurt - chorro de sangre

Ignoro si existe un precedente, sobre esto, pero habitualmente se considera el exagerado blood spurt del duelo final de Sanjuro (Sanjuro, 1962) como el pistoletazo de salida para este tipo de efectos especiales; a partir de entonces, el cine de samurais y el de artes marciales chino se llenó de chorros de sangre que brotaban como géisers cada vez que un combatiente era golpeado de muerte con una espada.

Tarantino homenajeó estos famosos blood spurts tan típicos del cine de acción oriental en Kill Bill.

William Shatner!!!!

2010-03-23T11:01:00.000+01:00

Si alguien no está familiarizado con este genio polifacético del arte, con este torpedo del mundo del espectáculo, que no se preocupe, que yo se lo presento: William Shatner, conocido por papeles como Denny Crane en Boston Legal y sobre todo por ser el atractivo, viril y seductor capitán James T. Kirk de la nave USS Enterprise de Star Trek.

Algunos dicen que Shatner es un mal actor, y así puede parecer a simple vista, pero si uno estudia con detenimiento la magnitud de su estilo termina por rendirse ante uno de los talentos y genios más descomunales de la historia del medio, ante la inenarrable capacidad de este hombre renacentista de hacer memorable cualquier material que caiga en sus manos.

La huella que ha dejado en la cultura popular es honda y duradera, tatno que ha inspirado a numerosos artistas que homenajean su inigualable forma de expresarse y su físico viril:

Por supuesto, semejante talento desbordante no podía quedar encerrado tan solo en el cine y la televisión, así que, a parte de actor, guionista y director, Shatner ha sido novelista, criador de caballos, jinete profesional y... cantante. Su estilo como cantante es único e irrepetible, sus interpretaciones no dejan indiferente a nadie.

Su carrera musical se extiende con éxito durante décadas, y no puede describirse con palabras, hay que verlo para creerlo. Con todos ustedes, el inefable Shatner interpretando varios clásicos de la música popular:

Cine oculto - El señor de la guerra

2010-03-15T13:34:00.004+01:00

El ostracismo al que está sometido esta película es para mi incomprensible, siendo una de las mejores recreaciones medievales que nos ha deparado el cine, superior en casi todos los aspectos a muchas superproducciones de la época en que fue rodada (mediados de los años 60) Pocas veces guión, realización, interpretación, puesta en escena y música han brillado de esta forma para brindarnos un convincente y apasionante relato que abunda en detalles rigurosos acerca de la edad oscura.

The war lord, ambientada en el siglo XI, cuenta la historia de Chrysagon de la Cruz (Charlton Heston), un caballero que, tras largos años de lucha por toda Europa al servicio del duque de Normandía, es enviado a guardar uno de los extremos más desolados de la región; junto a él viajan su hermano Draco (Guy Stockwell) y su fiel escudero Bors (Richard Boone). El único baluarte de la zona es un viejo torreón difícil de defender, rodeado de marismas y pantanos, atacado constantemente por los frisios, una tribu nórdica que siembra el terror por media Europa.

Por si fuera poco, los escasos habitantes del lugar, a pesar de haber aceptado el cristianismo, aún practican costumbres paganas de origen druídico, imperando un extraño ambiente de superstición y herejía. Los lugareños se debaten entre dos guías morales, el jefe de la aldea, el viejo Odins (Niall McGinnis), y el cura local (Maurice Evans) Chrysagon tiene delante de si la ardua labor de mantener la zona, defenderla de los frisios y deshacer los errores del anterior señor feudal, que acabó viviendo en una orgía continua y aprovechando sus priviliegios para gozar de las lugareñas mediante derecho de pernada.

Sin embargo, el propio Chrysagon se verá tentado cuando se cruza en su camino la hermosa hija adoptiva de Odins, Bronwyn (Rosemary Forsyth) En el día de su boda con Marc (James Farentino), hijo de Odins, Chrysagon decide ejercer el derecho de pernada sobre ella. Al no devolverla a la mañana siguiente, el pueblo monta en cólera y se alía con los frisios, sometiendo al torreón a un terrible asedio.

The war lord se inspira en The lovers, una novela de Leslie Stevens que no he tenido el placer de leer; sin embargo puedo decir que el guión de la película es modélico, presenta un puñado de interesantísimos personajes trágicamente atrapados por las costumbres de la época, cada uno con sus creencias y deberes; sorteando el maniqueismo con enorme sensiblidad e inteligencia, la película se centra en el continuo conflicto entre ellos, eludiendo por completo el juicio moral, sin buenos ni malos.

Estos roles están además interpretados por un elenco en estado de gracia; Chrysagon de la Cruz es probablemente el mejor papel que jamás halla interpretado Charlton Heston, que aporta al personaje una mirada cansada, una enorme tristeza, transmitiendo perfectamente la melancolía de un hombre atrapado dentro de una armadura, que no puede amar libremente y cuya vida se reduce a matar y morir por su señor; Draco (Guy Stockwell), su hermano, siempre a la sombra de Chrysagon, se reconcome por dentro por el ingrato destino que le toca asumir; Bronwyn - Rosemary Forsyth, increiblemente guapa(*) - se ve atrapada entre el deber hacia su marido y su gente, y el miedo y amor apasionado que siente por su señor... Mención especial para un inolvidable Richard Boone como Bors, el leal escudero de Chrysagon, cuya brutal apariencia física se rompe en ocasiones, de forma absolutamente conmovedora, para mostrarnos el amor casi paternal que siente por su señor.

A parte de esto, y pese a alguna secuencia en estudio menos lograda, la película luce visualmente deslumbrante con una fotografía luminosa en exteriores y oscura en interiores, y una puesta en escena tan llena de detalles medievales rigurosos como el propio argumento; decorados y vestuario son creibles, hay polvo, suciedad y sangre, las armaduras, las espadas y los escudos pesan...

La labor de Schaffner como director también es excelente, aportando un sentido visual que salta sin problemas entre lo intimista, lo épico (las batallas son vibrantes y de lo mejorcito que puede verse en este género) y lo hipnótico (fascinante la secuencia nocturna en que los aldeanos llevan a Bronwyn a la torre en la noche de su boda), apoyado todo ello en la memorable BSO de Jerome Moross.

En definitiva, una película de aventuras con un envoltorio espectacular, que esconde agudas reflexiones sobre el deber, el amor, la lealtad, la religión y la superstición, completando un fresco medieval que debiera ser mucho mejor valorado por críticos e historiadores del medio cinematográfico.

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(*) Tan hermosa luce Rosemary Forsyth que el poeta español Juan Eduardo Cirlot le dedicó un ciclo entero de poemas titulado Bronwyn, en honor al personaje que interpreta en esta película.

HBO da luz verde a Juego de Tronos

2010-03-06T18:29:00.000+01:00

Juego de Tronos es el primer volumen de Canción de Hielo y Fuego, una saga de fantasía heróica escrita por el veterano George R. R. Martin que empezó allá por 1996 y que ha generado una legión de seguidores a lo largo del globo. Canción de Hielo y Fuego no es una saga al uso en este género tan trillado, más bien es como un cruce entre Dune, Yo, Claudio y El Señor de los Anillos: no hay una división moral clara, pero si ambiciones desmedidas, pasiones desatadas, puñaladas traperas y traiciones a mansalva en la lucha por el control de Los Siete Reinos.

Están previstos 7 volúmenes, pero por ahora sólo se han publicado 4; una de las razones del retraso de nuevas entregas es el salto de la saga al medio televisivo. Martin ha sido guionista de televisión durante muchos años, y gran parte del atractivo de los libros reside en su formato de serie de TV, en su estructura episódica y sus hábiles cliffhangers. La producción de una saga de estas magnitudes es una empresa tan atractiva como osada, y ha sido HBO quien finalmente se ha decidido a probar con la obra de Martin.

HBO empezó el rodaje del piloto hace ya unos cuantos meses con un enorme hermetismo y secretismo, y tras los screenings, ha dado luz verde a una primera temporada de 10 episodios en total esta semana, mostrando la primera y esperada imagen del proyecto:

Esta imagen sabe a poco, y más conociendo el reparto de campanillas que va a tener la serie: Sean Bean, Peter Dinklage, Lena Headey... ¡Esperamos más imágenes con impaciencia!

Cast completo: http://winter-is-coming.net/cast-crew/
Más información: http://winter-is-coming.net/

Una de tópicos: las 10 películas de la década - parte II

2010-03-01T14:13:00.000+01:00

5.- Mulholland Dr.
(Mulholland Dr., 2001) de David Lynch

Rita (Laura Harring) es una mujer que ha quedado amnésica tras un accidente de coche y que termina siendo acogida en su apartamento de la ciudad de Los Angeles por Betty (Naomi Watts), una jóven aspirante a actriz. A partir de ese momento ambas mujeres se ponen a investigar la identidad de Rita, sumergiéndose poco a poco en la cara más extraña y pesadillesca de la ciudad de los sueños e iniciando una extraña relación afectiva y sexual.

Una de Lynch, más Lynch que nunca; este señor se les atraganta a muchos espectadores por su acercamiento surrealista y marciano a los temas que trata, nunca evidentes, siempre subterráneos. Sin embargo a mi tanto su temática como su estilo me resultan fascinantes; Mullholand drive es una película casi hipnótica, un recorrido onírico por los miedos y anhelos de sus dos personajes principales narrado con un sentido único del ritmo y la puesta en escena.

4.- Dogville
(Dogville, 2003) de Lars Von Trier

Dogville es un pequeño pueblo de la América profunda cuyos habitantes viven en el más absoluto de los conformismos, repitiendo esquemas y actitudes socialmente aceptadas y ocultando sus miedos y aspiraciones. Un buen día irrumpe una hermosa fugitiva, Grace (Nicole Kidman), que solicita ser aceptada dentro de la comunidad; Tom Edison (Paul Bettany) es un joven intelectual del pueblo hastiado de la vida en el lugar, y ve en Grace la salvación para la pequeña aldea; Grace es aceptada dentro de la comunidad a petición de Tom, pero a cambio debe ayudar a los lugareños en sus tareas habituales.

Lars von Trier es un cineasta provocador y a menudo gamberro, un tipo que se salta todas las reglas cinematográficas y que emplea cualquier recurso según le venga en gana; en este caso llevó su experimentación al límite, eliminando los decorados y mostrándonos Dogville como un enorme estudio con los límites de las casas y los caminos pintados con tiza en el suelo. El resultado es brutal e inquietante: la ausencia de paredes nos permite observar como testigos mudos lo que sucede en el interior de cada casa mientras la vida del pueblo sigue su curso aparentemente normal.

3.- Inteligencia Artificial
(Artificial Inteligence: AI, 2001) de Steven Spielberg

Estamos en un futuro no muy lejano; el hijo de Monica y Henry se encuentra en estado de animación suspendida, aquejado de una terrible enfermedad. Para sustituirlo, adquieren a David (Haley Joel Osment), un androide con el aspecto de un niño de 11 años programado para dar cariño y amar a sus padres de adopción. Cuando su hijo real se recupera, David se convierte en un problema, y termina siendo abandonado en una carretera solitaria.

Spielberg siempre ha sido un director puntero en el aspecto visual y técnico, pero en la última década hay que añadir a sus virtudes el abordamiento de temáticas cada vez más oscuras y arriesgadas y alejadas del conformismo sentimentalista de algunas de sus obras precedentes. Inteligencia Artificial es una película desoladora sobre la condición humana, muy mal entendida por gran parte del público, que creyó entender un final feliz cuando la conclusión de la película es absolutamente demoledora y desesperanzada... La puesta en escena y el mundo futuro presentado es tan terriblemente reconocible como fascinante, componiendo una de las piezas más importantes de la ciencia ficción de los últimos tiempos.

2.- Ciudad de Dios
(Cidade de Deus, 2002) de Fernando Meirelles

Ciudad de Dios nació en los 60 como un proyecto gubernamental, un barrio nuevo donde alojar a la creciente superpoblación de Rio de Janeiro; pero 20 años después se había convertido en la favela más violenta y embrutecida del país, imperando la ley de las armas y con un índice de criminalidad por las nubes. Esta es la historia de dos chavales de la favela, Buscapé y Ze Pequeño, y de todos los personajes y situaciones que les rodean y les llevan a tomar caminos muy diferentes en la vida.

Fernando Meirelles sorprendió al mundo a principios de la década con este formidable e implacable retrato de la vida de una favela, repleta de historias cruzadas y personajes memorables, narrada con un estilo entre lo documental y lo rabiosamente moderno, y colocando el punto de mira sobre el cine brasileño. Aunque el número de personajes es abundante y las situaciones se suceden con un ritmo endiablado, el guión está tan bien escrito, las interpretaciones son tan intensas y la dirección tan acertada que las dos horas y cuarto de metraje se pasan en un suspiro.

1.- Hijos de los hombres
(Children of men, 2006) de Alfonso Cuarón

Año 2027: la humanidad ha quedado misteriosamente estéril, no nace ningún niño desde hace 18 años, y el habitante más jóven del planeta ha muerto en una pelea callejera. Theo Faron (Clive Owen) es un hombre de mediana edad, cínico y desencantado, que sobrevive en medio de una sociedad cada vez más radicalizada. Un buen día recibe una llamada de su ex-mujer, una revolucionaria anti-sistema que le involucra en una misión de vital importancia para el destino de la raza humana.

Alfonso Cuarón es un cineasta todoterreno que ha regalado varias obras interesantes en todos los géneros que ha tocado, pero que alcanzó la cima de sus habilidades con esta increible película que pasó sin pena ni gloria y cuyo estaus de culto crece cada día. Hijos de los hombres es una de las reflexiones más certeras y tristes sobre los males actuales del mundo civilizado, sobre la decadencia, la falta de ideales y la radicalización de occidente, pero además está rodada de una forma portentosa, a base de larguísimos planos-secuencia que ponen la piel de gallina y crean una tensión dramática indescriptible; una de las mejores películas de ciencia ficción que he visto en mi vida (o más bien, política y sociología ficción), cuyo aspecto técnico habría firmado el mismísimo Kubrick.
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Evidentemente, una lista de este tipo siempre es injusta y subjetiva (recalcando lo que comentaba en la primera parte) Me da lástima que se me hallan quedado en el tintero otras grandes películas de la época que bien podrían haber entrado: El caballero oscuro, Mystic river, Master & Commander, Wall E, Olvídate de mi, Oldboy, La vida de los otros, Cartas de Iwo Jima, Munich, El pianista, Malditos bastardos, Pozos de ambición... ¡Ha sido una década muy provechosa!